Dado o vasto tamanho da América do Norte, descrever como a arte indígena americana evoluiu é tudo menos uma tarefa fácil. No entanto, os historiadores de arte descobriram que existem cinco grandes regiões, neste território, que têm tradições artísticas indígenas com características únicas para estes povos e lugares.

Hoje vamos discutir como a arte nativa americana tem se manifestado em cada uma dessas cinco áreas.

A Arte de Todo Grupo Nativo Americano é a mesma?

Não. Semelhante ao que acontece nas partes sul e central do continente, não existe uma cultura pan-indígena na América do Norte. Mesmo muito antes da chegada dos europeus a esses territórios, as tribos que aqui viviam já praticavam diferentes tipos de formas de arte.

Como os Nativos Americanos Tradicionalmente Concebiam a Arte?

Na percepção tradicional dos nativos americanos, o valor artístico de um objeto é determinado não apenas pela sua beleza, mas também pelo quão "bem feita" é a obra de arte. Isso não significa que os nativos americanos fossem incapazes de valorizar a beleza das coisas, mas sim que sua apreciação da arte fosse baseada principalmente na qualidade.

Outros critérios para decidir se algo é artístico ou não poderia ser se o objeto pudesse cumprir adequadamente a função prática para a qual foi criado, quem o possuiu antes e quantas vezes o objeto foi usado em uma cerimônia religiosa.

Finalmente, para ser artístico, um objeto também tinha que representar, de uma forma ou de outra, os valores da sociedade da qual provinha, o que muitas vezes implicava que o artista indígena só podia utilizar um conjunto pré-determinado de materiais ou processos, algo que poderia limitar a sua liberdade de criação.

No entanto, existem casos conhecidos de indivíduos que reinventaram a tradição artística a que pertenciam; é o caso, por exemplo, da artista poblana María Martínez.

Os Primeiros Artistas Nativos Americanos

Os primeiros artistas nativos americanos caminharam sobre a Terra muito atrás no tempo, por volta de 11000 a.C. Não sabemos muito sobre a sensibilidade artística desses homens, mas uma coisa é certa - a sobrevivência era uma das principais coisas que estavam em suas mentes. Isso pode ser corroborado pela observação de quais elementos chamaram a atenção desses artistas.

Por exemplo, a partir deste período encontramos um osso Megafauna com a imagem de um mamute andante gravado nele. Sabe-se que homens antigos caçaram mamutes durante vários milénios, pois estes animais representavam uma fonte significativa de alimento, vestuário e abrigo para eles.

Cinco Regiões Principais

Ao estudar a evolução da arte nativa americana, os historiadores descobriram que existem cinco grandes regiões nesta parte do continente que apresentam suas próprias tradições artísticas. Essas regiões são o Sudoeste, o Leste, o Oeste, a Costa Noroeste e o Norte.

Regiões culturais do povo norte-americano na época do contato europeu. PD.

As cinco regiões da América do Norte apresentam tradições artísticas que são exclusivas dos grupos indígenas que ali vivem. Em resumo, estas são as seguintes:

• Sudoeste Pueblo: Povo Pueblo especializado na criação de utensílios domésticos finos, como vasos e cestos de barro.
• Leste As sociedades indígenas das Grandes Planícies desenvolveram grandes complexos de montes, para serem o local de sepultamento dos membros das classes altas.
• Oeste: Mais interessados nas funções sociais da arte, os nativos americanos do Ocidente costumavam pintar relatos históricos sobre peles de búfalo.
• Noroeste: Os aborígenes da Costa Noroeste preferiram esculpir a sua história em totens.
• Norte: Finalmente, a arte do Norte parece ser a mais influenciada pelo pensamento religioso, pois as obras desta tradição artística são criadas para mostrar respeito aos espíritos animais do Ártico.

Sudoeste

Arte cerâmica por Maria Martinez. CC BY-SA 3.0

O povo Pueblo é um grupo indígena americano localizado principalmente na parte nordeste do Arizona e Novo México. Estes aborígenes descendem do Anasazi, uma cultura antiga que atingiu seu auge entre 700 a.C. e 1200 a.C.

Representante da arte do sudoeste, o povo Pueblo tem feito cerâmica e cestaria fina por muitos séculos, aperfeiçoando técnicas particulares e estilos de decoração que mostram um gosto pela simplicidade e pelos motivos inspirados na natureza norte-americana. Os desenhos geométricos também são populares entre esses artistas.

As técnicas de produção de cerâmica podem variar de uma localidade para outra no Sudoeste, mas o que é comum em todos os casos é a complexidade do processo de preparação do barro. Tradicionalmente, apenas as mulheres Pueblo podiam colher o barro da Terra. Mas o papel das mulheres Pueblo não se limita a isso, já que durante séculos uma geração de ceramistas passou para aoutros os segredos da olaria.

A escolha do tipo de argila com que vão trabalhar é apenas o primeiro de muitos passos. Depois disso, os oleiros devem purificar a argila, bem como seleccionar a têmpera específica que vão usar na mistura. Para a maioria dos oleiros, as orações precedem a fase de amassar o vaso. Uma vez moldado o vaso, os artistas Pueblo procedem à acendimento do fogo (que é comumente colocado no chão), para disparar o vaso.Isto também requer um conhecimento profundo da resistência do barro, da sua retracção e da força do vento. Os dois últimos passos consistem no polimento e decoração da panela.

Maria Martinez de San Ildefonso Pueblo (1887-1980) é talvez a mais famosa de todas as artistas de Pueblo. O trabalho de olaria Maria tornou-se notório devido à sua combinação de antigas técnicas tradicionais de olaria com inovações estilísticas trazidas por ela. A experimentação do processo de queima e o uso de desenhos preto-e-pretos caracterizaram o trabalho artístico de Maria. Inicialmente, Julian Martinez,O marido de María, decorou as suas panelas até à sua morte em 1943. Ela continuou então o trabalho.

Leste

Serpente de montanha no sul de Ohio - PD.

O termo povo da floresta é usado pelos historiadores para designar o grupo de nativos americanos que viviam na parte oriental do continente.

Embora os indígenas desta área ainda estejam produzindo arte, a obra de arte mais impressionante criada aqui pertence às antigas civilizações indígenas americanas que floresceram entre o final do Período Arcaico (perto de 1000 a.C.) e o período do Médio Oriente (500 d.C.).

Durante este tempo, os povos da floresta, particularmente os que vieram das culturas Hopewell e Adena (ambas localizadas no sul de Ohio), especializaram-se na construção de grandes complexos de montes. Estes montes eram altamente decorados artisticamente, pois serviam como locais de enterro dedicados a membros das classes de elite ou guerreiros notórios.

Os artistas florestais trabalhavam frequentemente com materiais finos como cobre dos Grandes Lagos, minério de chumbo do Missouri e diferentes tipos de pedras exóticas, para criar jóias requintadas, vasos, tigelas e efígies que deveriam acompanhar os mortos em suas montarias.

Enquanto tanto a cultura Hopewell como a Adena eram grandes construtores de montes, esta última também desenvolveu um gosto superior por tubos esculpidos em pedra, tradicionalmente usados em cerimónias de cura e políticas, e placas de pedra, que poderiam ter sido usadas para decoração de paredes.

No ano 500 EC, estas sociedades haviam se desintegrado, mas grande parte de seus sistemas de crenças e outros elementos culturais acabaram sendo herdados pelos povos iroqueses.

Estes novos grupos não tinham a mão-de-obra nem o luxo necessários para continuar com a tradição do edifício do monte, mas ainda praticavam outras formas de arte herdadas. Por exemplo, a escultura em madeira permitiu que os iroqueses se reconectassem com as suas origens ancestrais - especialmente depois de terem sido despojados das suas terras por colonos europeus durante o período pós-contato.

Oeste

Durante o período pós-contato, a terra das Grandes Planícies da América do Norte, no oeste, era habitada por mais de duas dúzias de etnias diferentes, entre elas o Cree das Planícies, Pawnee, Crow, Arapaho, Mandan, Kiowa, Cheyenne e Assiniboine. A maioria dessas pessoas levava um estilo de vida nômade ou semi-nômade que era definido pela presença do búfalo.

Até a segunda metade do século XIX, os búfalos forneciam à maioria dos nativos americanos das Grandes Planícies alimento e elementos necessários para a produção de roupas e construção de abrigos. Além disso, falar sobre a arte dessas pessoas é praticamente impossível sem considerar a importância que a pele de búfalo tinha para os artistas das Grandes Planícies.

No primeiro caso, os homens usavam peles de búfalo para pintar relatos históricos sobre elas e também para criar escudos que estavam imbuídos de propriedades mágicas, para garantir proteção física e espiritual. No segundo caso, as mulheres trabalhavam coletivamente para produzir grandes tipis (tendências típicas dos nativos americanos), decorados combelos desenhos abstractos.

Vale a pena mencionar que o estereótipo do "nativo americano comum" promovido pela maioria dos meios de comunicação ocidentalizados se baseia no olhar dos indígenas das Grandes Planícies, o que levou a muitos equívocos, mas um que atingiu especificamente esses povos é a crença de que sua arte está centrada exclusivamente na proeza da guerra.

Este tipo de abordagem compromete a possibilidade de se ter uma compreensão precisa de uma das mais ricas tradições artísticas nativas americanas.

Norte

No Ártico e no Sub-Ártico, a população indígena tem se envolvido na prática de diferentes formas de arte, sendo talvez a criação de roupas de caçador preciosamente decoradas e equipamentos de caça o mais delicado de todos.

Desde a antiguidade, a religião permeia a vida dos nativos americanos que habitam o Ártico, influência que também é palpável nas outras duas principais formas de arte praticadas por essas pessoas: a talha de amuletos e a criação de máscaras rituais.

Tradicionalmente, o animismo (a crença de que todos os animais, humanos, plantas e objetos têm alma) tem sido o fundamento das religiões praticadas pelos Inuits e os Aleuts - dois grupos que constituem a maioria da população indígena no Ártico. Vindo de culturas de caça, esses povos acreditam que é importante apaziguar e manter boas relações com os espíritos animais, por isso elescontinuaria a cooperar com os humanos, tornando assim a caça possível.

Uma forma pela qual os caçadores Inuit e Aleut tradicionalmente mostram seu respeito por esses espíritos é usando roupas embelezadas com belos desenhos de animais. Pelo menos até meados do século XIX, era uma crença comum entre as tribos árticas que os animais preferiam ser mortos por caçadores que usavam trajes decorados. Os caçadores também pensavam que ao incorporar motivos de animais em suas roupas de caça,os poderes e a protecção dos espíritos animais seriam transferidos para eles.

Durante as longas noites árticas, as mulheres indígenas passavam seu tempo criando roupas e utensílios de caça visualmente atraentes. Mas essas artistas mostravam criatividade não só no desenvolvimento de seus belos desenhos, mas também no momento de escolher seus materiais de trabalho. As artesãs árticas tradicionalmente usavam uma grande variedade de materiais animais, desde cervos, caribus e lebres atépele de salmão, intestino de morsa, osso, chifres e marfim.

Estes artistas também trabalharam com materiais vegetais, como casca, madeira e raízes. Alguns grupos, como os Crees (um povo indígena que vive principalmente no norte do Canadá), também utilizaram pigmentos minerais, até o século XIX, para produzir suas paletas.

Costa Noroeste

A Costa Noroeste da América do Norte estende-se desde o Rio Cobre, no Sul do Alasca, até à fronteira entre o Oregon e a Califórnia. As tradições artísticas indígenas desta região têm uma profundidade de longa data, pois começaram aproximadamente por volta do ano 3500 a.C., e têm continuado a evoluir quase ininterruptamente na maioria deste território.

As evidências arqueológicas mostram que em 1500 a.C., muitos grupos indígenas americanos de toda esta área já tinham dominado formas de arte como a cestaria, a tecelagem e a escultura em madeira. No entanto, apesar de inicialmente terem mostrado grande interesse em criar pequenas efígies delicadamente esculpidas, estatuetas, tigelas e pratos, a atenção destes artistas voltou-se a tempo para a produção dos grandes postes totem paraque a Costa Noroeste é tão conhecida.

Para entender por que essa mudança ocorreu, é necessário saber primeiro que as sociedades indígenas americanas que se desenvolveram na costa noroeste tinham estabelecido sistemas de classes muito bem definidos. Além disso, famílias e indivíduos que estavam no topo da escada social procuravam continuamente artistas que pudessem criar obras de arte visualmente impressionantes que servissem como um símbolo de sua riqueza eÉ também por isso que os postes totem eram normalmente exibidos em frente às casas pertencentes àqueles que pagavam por eles.

Os totem eram normalmente feitos de toros de cedro e podiam ter até 60 pés de comprimento. Foram esculpidos com uma técnica conhecida como formline art, que consiste em esculpir formas assimétricas (ovóides, formas em U e formas em S) na superfície do toro. Cada totem é decorado com um conjunto de símbolos que representam a história da família ou da pessoa que o possui. É de notar que a ideia de quetotems deve ser adorado é um equívoco comum espalhado por pessoas não-indígenas.

A função social dos totens, como fornecedores de relatos históricos, é melhor observada durante a celebração dos potlatches. Os potlatches são grandes festas, tradicionalmente celebradas pelos nativos da Costa Noroeste, onde o poder de certas famílias ou indivíduos é reconhecido publicamente.

Além disso, segundo os historiadores de arte Janet C. Berlo e Ruth B. Phillips, é durante essas cerimônias que as histórias apresentadas pelos totens "explicam, validam e reificam a ordem social tradicional".

Conclusão

Entre as culturas indígenas americanas, a apreciação da arte foi baseada mais na qualidade do que nos aspectos estéticos. A arte indígena americana também se caracteriza pela sua natureza prática, pois grande parte do trabalho artístico criado nesta parte do mundo foi pensado para ser usado como utensílios para atividades cotidianas comuns ou mesmo em cerimônias religiosas.