Angesichts der enormen Größe Nordamerikas ist es alles andere als einfach, die Entwicklung der Kunst der amerikanischen Ureinwohner zu beschreiben. Kunsthistoriker haben jedoch herausgefunden, dass es in diesem Gebiet fünf große Regionen gibt, in denen indigene Kunsttraditionen mit einzigartigen Merkmalen für diese Völker und Orte existieren.

Heute werden wir darüber sprechen, wie sich die Kunst der amerikanischen Ureinwohner in jedem dieser fünf Bereiche manifestiert hat.

Ist die Kunst aller amerikanischen Ureinwohnergruppen gleich?

Nein. Ähnlich wie in den südlichen und zentralen Teilen des Kontinents gibt es in Nordamerika keine panindianische Kultur. Schon lange vor der Ankunft der Europäer in diesen Gebieten praktizierten die hier lebenden Stämme unterschiedliche Kunstformen.

Wie konzipierten die amerikanischen Ureinwohner traditionell die Kunst?

In der traditionellen Vorstellung der amerikanischen Ureinwohner wird der künstlerische Wert eines Objekts nicht nur durch seine Schönheit bestimmt, sondern auch dadurch, wie "gut gemacht" das Kunstwerk ist. Das bedeutet nicht, dass die amerikanischen Ureinwohner nicht in der Lage waren, die Schönheit von Dingen zu schätzen, sondern vielmehr, dass ihre Wertschätzung für Kunst in erster Linie auf der Qualität beruhte.

Andere Kriterien für die Entscheidung, ob etwas künstlerisch ist oder nicht, könnten sein, ob das Objekt die praktische Funktion, für die es geschaffen wurde, ordnungsgemäß erfüllen könnte, wer es zuvor besessen hat und wie oft das Objekt in einer religiösen Zeremonie verwendet wurde.

Schließlich musste ein Objekt, um künstlerisch zu sein, auch auf die eine oder andere Weise die Werte der Gesellschaft repräsentieren, aus der es stammte, was oft bedeutete, dass der indigene Künstler nur eine bestimmte Anzahl von Materialien oder Verfahren verwenden konnte, was seine schöpferische Freiheit einschränken konnte.

Es sind jedoch Fälle bekannt, in denen Einzelpersonen die künstlerische Tradition, der sie angehörten, neu erfunden haben, wie zum Beispiel die Pueblo-Künstlerin María Martinez.

Die ersten Künstler der amerikanischen Ureinwohner

Die ersten Künstler der amerikanischen Ureinwohner betraten die Erde vor langer Zeit, etwa um 11000 v. Chr. Wir wissen nicht viel über die künstlerische Sensibilität dieser Männer, aber eines ist sicher - das Überleben war eines ihrer Hauptanliegen. Dies kann durch die Beobachtung, welche Elemente die Aufmerksamkeit dieser Künstler auf sich zogen, bestätigt werden.

Aus dieser Zeit stammt zum Beispiel ein Megafauna-Knochen, auf dem das Bild eines laufenden Mammuts eingraviert ist. Es ist bekannt, dass die Menschen der Antike mehrere Jahrtausende lang Mammuts gejagt haben, da diese Tiere für sie eine wichtige Quelle für Nahrung, Kleidung und Schutz darstellten.

Fünf Hauptregionen

Bei der Untersuchung der Entwicklung der Kunst der amerikanischen Ureinwohner haben Historiker festgestellt, dass es in diesem Teil des Kontinents fünf große Regionen gibt, die ihre eigenen künstlerischen Traditionen aufweisen: der Südwesten, der Osten, der Westen, die Nordwestküste und der Norden.

Kulturregionen der nordamerikanischen Völker zur Zeit des europäischen Kontakts. PD.

In den fünf Regionen Nordamerikas gibt es künstlerische Traditionen, die für die dort lebenden indigenen Gruppen einzigartig sind, und zwar im Wesentlichen folgende:

• Südwest Pueblo: Das Volk der Pueblo hat sich auf die Herstellung feiner Haushaltsgegenstände wie Tongefäße und Körbe spezialisiert.
• Ost Die indigenen Gesellschaften der Great Plains entwickelten große Grabhügelkomplexe, die als Begräbnisstätte für die Angehörigen der Oberschicht dienten.
• Westen: Die amerikanischen Ureinwohner des Westens interessierten sich mehr für die sozialen Funktionen der Kunst und malten historische Darstellungen auf Büffelfelle.
• Nordwesten: Die Ureinwohner der Nordwestküste zogen es vor, ihre Geschichte in Totems einzuritzen.
• Norden: Schließlich scheint die Kunst des Nordens am stärksten von religiösem Gedankengut beeinflusst zu sein, da die Kunstwerke aus dieser künstlerischen Tradition geschaffen wurden, um den Tiergeistern der Arktis Respekt zu erweisen.

Südwest

Töpferkunst von Maria Martinez, CC BY-SA 3.0

Die Pueblo-Völker sind eine Gruppe amerikanischer Ureinwohner, die vor allem im Nordosten Arizonas und New Mexicos beheimatet sind und von den Anasazi abstammen, einer alten Kultur, die ihren Höhepunkt zwischen 700 v. Chr. und 1200 v. Chr. erreichte.

Als Vertreter der Kunst des Südwestens haben die Pueblo-Bewohner über viele Jahrhunderte hinweg feine Töpfer- und Korbwaren hergestellt und dabei besondere Techniken und Dekorationsstile perfektioniert, die sowohl eine Vorliebe für Schlichtheit als auch für von der nordamerikanischen Natur inspirierte Motive zeigen. Auch geometrische Muster sind bei diesen Künstlern beliebt.

Die Techniken zur Herstellung von Töpferwaren können von einem Ort zum anderen im Südwesten variieren. Allen gemeinsam ist jedoch die Komplexität des Prozesses zur Vorbereitung des Tons. Traditionell konnten nur die Pueblo-Frauen den Ton aus der Erde holen. Aber die Rolle der Pueblo-Frauen ist nicht darauf beschränkt, denn seit Jahrhunderten hat eine Generation von Töpferinnen an die nächste weitergegeben.andere die Geheimnisse der Töpferkunst.

Die Wahl des Tons, mit dem sie arbeiten wollen, ist nur der erste von vielen Schritten. Danach müssen die Töpfer den Ton reinigen und die spezifische Temperierung auswählen, die sie in ihrer Mischung verwenden wollen. Für die meisten Töpfer gehen die Gebete der Phase des Knetens des Gefäßes voraus. Sobald das Gefäß geformt ist, zünden die Pueblo-Künstler ein Feuer an (das üblicherweise auf dem Boden steht), um das Gefäß zu brennen.Dies erfordert auch eine genaue Kenntnis der Widerstandsfähigkeit des Tons, seiner Schrumpfung und der Kraft des Windes. Die letzten beiden Schritte bestehen aus dem Polieren und Verzieren des Topfes.

Maria Martinez von San Ildefonso Pueblo (1887-1980) ist vielleicht die berühmteste aller Pueblo-Künstler. Die Töpferarbeiten Marias wurden durch die Kombination alter traditioneller Töpfertechniken mit stilistischen Neuerungen, die sie einbrachte, berühmt. Das Experimentieren mit dem Brennverfahren und die Verwendung von Schwarz-Schwarz-Mustern kennzeichneten Marias künstlerische Arbeit. Ursprünglich war Julian Martinez,Marías Ehemann verzierte ihre Töpfe bis zu seinem Tod im Jahr 1943, danach setzte sie die Arbeit fort.

Ost

Schlangenhügel in Süd-Ohio - PD.

Der Begriff Woodland People wird von Historikern verwendet, um die Gruppe der amerikanischen Ureinwohner zu bezeichnen, die im östlichen Teil des Kontinents lebte.

Obwohl die Ureinwohner dieser Region noch immer Kunst produzieren, gehören die beeindruckendsten Kunstwerke, die hier geschaffen wurden, zu den alten Zivilisationen der amerikanischen Ureinwohner, die zwischen der späten Archaischen Periode (fast 1000 v. Chr.) und der mittleren Woodland-Periode (500 n. Chr.) blühten.

In dieser Zeit spezialisierten sich die Woodland-Völker, insbesondere die der Hopewell- und der Adena-Kultur (beide im südlichen Ohio), auf den Bau großer Grabhügelkomplexe, die kunstvoll verziert waren und als Begräbnisstätten für Angehörige der Elite oder berüchtigte Krieger dienten.

Woodland-Künstler arbeiteten oft mit edlen Materialien wie Kupfer aus den Großen Seen, Bleierz aus Missouri und verschiedenen exotischen Steinen, um exquisite Schmuckstücke, Gefäße, Schalen und Bildnisse zu schaffen, die die Toten auf ihren Gräbern begleiten sollten.

Sowohl die Hopewell- als auch die Adena-Kultur waren große Grabhügelbauer, doch letztere entwickelten auch eine besondere Vorliebe für in Stein gehauene Pfeifen, die traditionell bei Heil- und politischen Zeremonien verwendet wurden, sowie für Steintafeln, die als Wanddekoration gedient haben könnten.

Bis zum Jahr 500 n. Chr. hatten sich diese Gesellschaften aufgelöst, doch ein Großteil ihrer Glaubenssysteme und anderer kultureller Elemente wurde schließlich von den Irokesenvölkern übernommen.

Diese neueren Gruppen hatten weder die Arbeitskraft noch den Luxus, um die Tradition des Reittierbaus fortzusetzen, aber sie praktizierten noch andere ererbte Kunstformen. Die Holzschnitzerei beispielsweise ermöglichte es den Irokesen, sich wieder mit den Ursprüngen ihrer Vorfahren zu verbinden - vor allem, nachdem sie in der Zeit nach dem Kontakt durch europäische Siedler ihres Landes beraubt worden waren.

West

In der Zeit nach der Kontaktaufnahme wurde das Land der nordamerikanischen Great Plains im Westen von mehr als zwei Dutzend verschiedenen ethnischen Gruppen bewohnt, darunter die Plains Cree, Pawnee, Crow, Arapaho, Mandan, Kiowa, Cheyenne und Assiniboine. Die meisten dieser Völker führten einen nomadischen oder halbnomadischen Lebensstil, der durch die Anwesenheit von Büffeln geprägt war.

Bis in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts versorgte der Büffel die meisten amerikanischen Ureinwohner der Great Plains mit Nahrung sowie mit Elementen, die für die Herstellung von Kleidung und den Bau von Unterkünften notwendig waren. Darüber hinaus ist es praktisch unmöglich, über die Kunst dieser Menschen zu sprechen, ohne die Bedeutung zu berücksichtigen, die die Büffelhaut für die Künstler der Great Plains hatte.

Büffelleder wurde sowohl von den Männern als auch von den Frauen der amerikanischen Ureinwohner künstlerisch bearbeitet. Im ersten Fall benutzten die Männer die Büffelleder, um sie mit historischen Darstellungen zu bemalen und um Schilde herzustellen, die mit magischen Eigenschaften versehen waren, um physischen und spirituellen Schutz zu gewährleisten. Im zweiten Fall fertigten die Frauen in kollektiver Arbeit große Tipis (typische indianische Behausungen) an, die mitschöne abstrakte Designs.

Es ist erwähnenswert, dass das von den meisten westlichen Medien verbreitete Stereotyp des "gewöhnlichen amerikanischen Ureinwohners" auf dem Aussehen der Ureinwohner der Great Plains basiert. Dies hat zu vielen Missverständnissen geführt, aber eines, das speziell diese Völker betrifft, ist der Glaube, dass sich ihre Kunst ausschließlich auf ihre Kriegsfähigkeiten konzentriert.

Diese Art der Herangehensweise gefährdet die Möglichkeit eines genauen Verständnisses einer der reichsten künstlerischen Traditionen der amerikanischen Ureinwohner.

Norden

In der Arktis und Subarktis hat sich die indigene Bevölkerung mit verschiedenen Kunstformen beschäftigt, wobei die Herstellung von kostbar verzierter Jägerkleidung und Jagdausrüstung vielleicht die heikelste von allen ist.

Seit der Antike durchdringt die Religion das Leben der amerikanischen Ureinwohner in der Arktis, ein Einfluss, der auch in den beiden anderen Hauptkunstformen dieses Volkes spürbar ist: dem Schnitzen von Amuletten und der Herstellung ritueller Masken.

Der Animismus (der Glaube, dass alle Tiere, Menschen, Pflanzen und Gegenstände eine Seele haben) ist traditionell die Grundlage der Religionen der Inuit und Aleuten - zwei Gruppen, die die Mehrheit der indigenen Bevölkerung in der Arktis ausmachen. Da diese Völker aus Jägerkulturen stammen, glauben sie, dass es wichtig ist, die Tiergeister zu besänftigen und gute Beziehungen zu ihnen zu pflegen.würden weiterhin mit dem Menschen zusammenarbeiten und so die Jagd ermöglichen.

Inuit- und Aleutenjäger zeigen ihren Respekt vor diesen Geistern unter anderem durch das Tragen von Kleidung, die mit feinen Tiermotiven verziert ist. Zumindest bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts glaubten die arktischen Stämme, dass Tiere bevorzugt von Jägern erlegt werden, die verzierte Kleidung tragen. Die Jäger glaubten auch, dass sie durch das Einarbeiten von Tiermotiven in ihre Jagdkleidungdie Kräfte und der Schutz der Tiergeister würden auf sie übertragen.

Während der langen arktischen Nächte verbrachten indigene Frauen ihre Zeit damit, optisch ansprechende Kleidung und Jagdutensilien zu entwerfen. Aber diese Künstlerinnen zeigten nicht nur bei der Entwicklung ihrer schönen Designs Kreativität, sondern auch bei der Auswahl ihrer Arbeitsmaterialien. Arktische Handwerkerinnen verwendeten traditionell eine Vielzahl von Tiermaterialien, von Hirsch-, Karibu- und Hasenfell bis hin zuLachshaut, Walrossdärme, Knochen, Geweihe und Elfenbein.

Diese Künstler arbeiteten auch mit pflanzlichen Materialien wie Rinde, Holz und Wurzeln. Einige Gruppen, wie die Kreen (ein indigenes Volk, das hauptsächlich im Norden Kanadas lebt), verwendeten bis ins 19.

Nordwestküste

Die Nordwestküste Nordamerikas erstreckt sich vom Copper River im Süden Alaskas bis zur Grenze zwischen Oregon und Kalifornien. Die künstlerischen Traditionen der Ureinwohner dieser Region haben eine lange Tradition, da sie etwa um das Jahr 3500 v. Chr. begannen und sich in den meisten Teilen dieses Gebiets fast ununterbrochen weiterentwickelt haben.

Archäologische Beweise zeigen, dass viele indianische Gruppen aus diesem Gebiet um 1500 v. Chr. bereits Kunstformen wie Korbflechten, Weben und Holzschnitzen beherrschten. Obwohl sie anfangs großes Interesse an der Herstellung von kleinen, fein geschnitzten Bildnissen, Figuren, Schalen und Tellern zeigten, wandte sich die Aufmerksamkeit dieser Künstler mit der Zeit der Herstellung von großen Totempfählen fürfür die die Nordwestküste so bekannt ist.

Um zu verstehen, warum sich dieser Wandel vollzog, muss man zunächst wissen, dass die indianischen Gesellschaften, die sich an der Nordwestküste entwickelten, sehr klar definierte Klassensysteme hatten. Außerdem suchten Familien und Einzelpersonen, die auf der sozialen Leiter ganz oben standen, ständig nach Künstlern, die visuell beeindruckende Kunstwerke schaffen konnten, die als Symbol für ihren Reichtum und ihreDas ist auch der Grund, warum Totempfähle üblicherweise vor den Häusern derjenigen aufgestellt wurden, die sie bezahlten.

Totempfähle wurden in der Regel aus Zedernholzstämmen gefertigt und konnten bis zu 60 Fuß lang sein. Sie wurden mit einer Technik geschnitzt, die als Formlinienkunst bekannt ist und darin besteht, asymmetrische Formen (Ovoide, U-Formen und S-Formen) in die Oberfläche des Stammes zu schnitzen. Jeder Totempfahl ist mit einer Reihe von Symbolen verziert, die die Geschichte der Familie oder der Person, der er gehört, darstellen. Es ist erwähnenswert, dass die Idee, dassDass Totems verehrt werden sollten, ist ein weit verbreiteter Irrglaube, der von nicht-indigenen Menschen verbreitet wird.

Die soziale Funktion der Totems als Träger historischer Erzählungen lässt sich am besten bei der Feier von Potlatches beobachten. Potlatches sind große Feste, die traditionell von den Ureinwohnern der Nordwestküste gefeiert werden und bei denen die Macht bestimmter Familien oder Einzelpersonen öffentlich anerkannt wird.

Den Kunsthistorikerinnen Janet C. Berlo und Ruth B. Phillips zufolge werden bei diesen Zeremonien die von den Totems dargebotenen Geschichten zur Erklärung, Validierung und Verfestigung der traditionellen Gesellschaftsordnung herangezogen".

Schlussfolgerung

In den Kulturen der amerikanischen Ureinwohner basierte die Wertschätzung von Kunst eher auf Qualität als auf ästhetischen Aspekten. Die Kunst der amerikanischen Ureinwohner zeichnet sich auch durch ihren praktischen Charakter aus, da viele der in diesem Teil der Welt geschaffenen Kunstwerke als Utensilien für alltägliche Aktivitäten oder sogar für religiöse Zeremonien verwendet wurden.