Dada la enorme extensión de América del Norte, describir cómo ha evolucionado el arte de los nativos americanos es cualquier cosa menos una tarea fácil. Sin embargo, los historiadores del arte han descubierto que hay cinco grandes regiones, en este territorio, que tienen tradiciones artísticas indígenas con características propias de estos pueblos y lugares.

Hoy hablaremos de cómo se ha manifestado el arte nativo americano en cada una de estas cinco áreas.

¿Es el arte de todos los grupos nativos americanos el mismo?

No. Al igual que ocurre en el sur y el centro del continente, no existe una cultura panindia en Norteamérica. Incluso mucho antes de la llegada de los europeos a estos territorios, las tribus que vivían aquí ya practicaban diferentes tipos de arte.

¿Cómo concebían tradicionalmente el arte los nativos americanos?

En la percepción tradicional de los nativos americanos, el valor artístico de un objeto se determina no sólo por su belleza, sino también por lo "bien hecha" que está la obra. Esto no significa que los nativos americanos fueran incapaces de valorar la belleza de las cosas, sino que su apreciación del arte se basaba principalmente en la calidad.

Otros criterios para decidir si algo es artístico o no pueden ser si el objeto puede cumplir adecuadamente la función práctica para la que fue creado, quién lo ha poseído antes y cuántas veces se ha utilizado el objeto en una ceremonia religiosa.

Por último, para ser artístico, un objeto también debía representar, de un modo u otro, los valores de la sociedad de la que procedía, lo que a menudo implicaba que el artista indígena sólo podía utilizar un conjunto predeterminado de materiales o procesos, algo que podía limitar su libertad de creación.

Sin embargo, se conocen casos de individuos que reinventaron la tradición artística a la que pertenecían; es el caso, por ejemplo, de la artista pueblerina María Martínez.

Los primeros artistas nativos americanos

Los primeros artistas nativos americanos pisaron la Tierra muy atrás en el tiempo, en algún momento alrededor del año 11000 a.C. No sabemos mucho sobre la sensibilidad artística de estos hombres, pero una cosa es segura: la supervivencia era una de las principales cosas que tenían en mente. Esto se puede corroborar observando qué elementos llamaban la atención de estos artistas.

Por ejemplo, de esta época encontramos un hueso de megafauna con la imagen de un mamut andante grabada. Se sabe que los hombres de la antigüedad cazaron mamuts durante varios milenios, ya que estos animales representaban para ellos una importante fuente de alimento, ropa y refugio.

Cinco grandes regiones

Al estudiar la evolución del arte de los nativos americanos, los historiadores han descubierto que existen cinco grandes regiones en esta parte del continente que presentan sus propias tradiciones artísticas. Estas regiones son el suroeste, el este, el oeste, la costa noroeste y el norte.

Regiones culturales de los pueblos de América del Norte en la época del contacto europeo. PD.

Las cinco regiones de América del Norte presentan tradiciones artísticas propias de los grupos indígenas que las habitan, que son las siguientes:

• Suroeste El pueblo se especializó en la creación de finos utensilios domésticos, como vasijas de arcilla y cestas.
• Este Las sociedades indígenas de las Grandes Llanuras desarrollaron grandes complejos de túmulos, para ser el lugar de enterramiento de los miembros de las clases altas.
• Al oeste: Más interesados en las funciones sociales del arte, los nativos americanos del Oeste solían pintar relatos históricos en pieles de búfalo.
• Noroeste: Los aborígenes de la Costa Noroeste preferían grabar su historia en tótems.
• Norte: Por último, el arte del Norte parece ser el más influenciado por el pensamiento religioso, ya que las obras de esta tradición artística se crean para mostrar respeto a los espíritus animales del Ártico.

Suroeste

Arte en cerámica por María Martínez. CC BY-SA 3.0

El pueblo es un grupo de nativos americanos situado principalmente en el noreste de Arizona y Nuevo México. Estos aborígenes descienden de los anasazi, una antigua cultura que alcanzó su máximo esplendor entre el 700 a.C. y el 1200 a.C.

Representativos del arte del suroeste, los Pueblo han realizado cerámica y cestería de calidad durante muchos siglos, perfeccionando técnicas y estilos de decoración particulares que muestran un gusto tanto por la simplicidad como por los motivos inspirados en la naturaleza norteamericana. Los diseños geométricos también son populares entre estos artistas.

Las técnicas de producción de cerámica pueden variar de una localidad a otra del suroeste. Sin embargo, lo que es común en todos los casos es la complejidad del proceso en cuanto a la preparación de la arcilla. Tradicionalmente, sólo las mujeres Pueblo podían recoger la arcilla de la tierra. Pero el papel de las mujeres Pueblo no se limita a esto, ya que durante siglos una generación de mujeres alfareras ha pasado a laotros los secretos de la alfarería.

Elegir el tipo de arcilla con el que van a trabajar es sólo el primero de muchos pasos. Después, los alfareros deben purificar la arcilla, así como seleccionar el temple específico que utilizarán en su mezcla. Para la mayoría de los alfareros, las oraciones preceden a la etapa de amasar la vasija. Una vez que la vasija está moldeada, los artistas Pueblo proceden a encender un fuego (que comúnmente se coloca en el suelo), para cocer la vasija.Los dos últimos pasos consisten en el pulido y la decoración de la vasija.

María Martínez de San Ildefonso Pueblo (1887-1980) es quizás la más famosa de todos los artistas Pueblo. El trabajo de alfarería de María se hizo notorio debido a que combinó antiguas técnicas tradicionales de alfarería con innovaciones estilísticas aportadas por ella. La experimentación con el proceso de cocción y el uso de diseños en negro y negro caracterizaron el trabajo artístico de María. Inicialmente, Julián Martínez,El marido de María, decoró sus vasijas hasta que murió en 1943 y ella continuó con el trabajo.

Este

Montículo de la serpiente en el sur de Ohio - PD.

El término "pueblo de los bosques" es utilizado por los historiadores para designar al grupo de nativos americanos que vivía en la parte oriental del continente.

Aunque los indígenas de esta zona siguen produciendo arte, las obras de arte más impresionantes creadas aquí pertenecen a las antiguas civilizaciones nativas americanas que florecieron entre el período arcaico tardío (cerca del año 1000 a.C.) y el período medio de los bosques (500 a.C.).

Durante esta época, los habitantes de Woodland, sobre todo los procedentes de las culturas Hopewell y Adena (ambas situadas en el sur de Ohio), se especializaron en la construcción de complejos de montículos a gran escala. Estos montículos estaban muy decorados artísticamente, ya que servían como lugares de enterramiento dedicados a los miembros de las clases de élite o a guerreros notorios.

Los artistas de los bosques solían trabajar con materiales nobles, como el cobre de los Grandes Lagos, el mineral de plomo de Missouri y diferentes tipos de piedras exóticas, para crear exquisitas joyas, vasijas, cuencos y efigies que debían acompañar a los muertos en sus montajes.

Aunque tanto la cultura Hopewell como la Adena fueron grandes constructores de túmulos, esta última también desarrolló un gusto superior por las pipas talladas en piedra, utilizadas tradicionalmente en ceremonias curativas y políticas, y por las tablillas de piedra, que podrían haberse utilizado para la decoración de paredes.

Hacia el año 500 de la era cristiana, estas sociedades se habían desintegrado, pero gran parte de sus sistemas de creencias y otros elementos culturales fueron heredados por los pueblos iroqueses.

Estos grupos más recientes no disponían de la mano de obra ni del lujo necesario para continuar con la tradición de la construcción de montes, pero seguían practicando otras formas de arte heredadas. Por ejemplo, la talla de madera ha permitido a los iroqueses volver a conectar con sus orígenes ancestrales, sobre todo después de haber sido despojados de sus tierras por los colonos europeos durante el periodo posterior al contacto.

West

Durante el periodo posterior al contacto, la tierra de las Grandes Llanuras norteamericanas, en el oeste, estaba habitada por más de dos docenas de grupos étnicos diferentes, entre ellos los Cree de las Llanuras, los Pawnee, los Crow, los Arapaho, los Mandan, los Kiowa, los Cheyenne y los Assiniboine. La mayoría de estos pueblos llevaban un estilo de vida nómada o seminómada que se definía por la presencia del búfalo.

Hasta la segunda mitad del siglo XIX, el búfalo proporcionaba a la mayoría de los nativos americanos de las Grandes Llanuras el alimento, así como los elementos necesarios para la confección de ropa y la construcción de refugios. Además, hablar del arte de estos pueblos es prácticamente imposible sin tener en cuenta la importancia que la piel de búfalo tenía para los artistas de las Grandes Llanuras.

La piel de búfalo era trabajada artísticamente tanto por los hombres como por las mujeres nativas americanas. En el primer caso, los hombres utilizaban las pieles de búfalo para pintar sobre ellas relatos históricos y también para crear escudos que estaban imbuidos de propiedades mágicas, para asegurar la protección física y espiritual. En el segundo caso, las mujeres trabajaban colectivamente para producir grandes tipis (tiendas típicas de los nativos americanos), decorados conhermosos diseños abstractos.

Cabe mencionar que el estereotipo del "nativo americano común" que promueven la mayoría de los medios de comunicación occidentalizados se basa en el aspecto de los indígenas de las Grandes Llanuras, lo que ha dado lugar a muchas ideas erróneas, pero una que alcanza específicamente a estos pueblos es la creencia de que su arte se centra exclusivamente en las proezas bélicas.

Este tipo de enfoque pone en peligro la posibilidad de tener una comprensión precisa de una de las tradiciones artísticas más ricas de los nativos americanos.

Norte

En el Ártico y el Subártico, la población indígena se ha dedicado a la práctica de diferentes formas de arte, siendo quizás la creación de prendas de caza preciosamente decoradas y equipos de caza la más delicada de todas.

Desde tiempos remotos, la religión ha impregnado la vida de los nativos americanos que habitan el Ártico, una influencia que también es palpable en las otras dos principales formas de arte practicadas por este pueblo: la talla de amuletos y la creación de máscaras rituales.

Tradicionalmente, el animismo (la creencia de que todos los animales, los seres humanos, las plantas y los objetos tienen alma) ha sido el fundamento de las religiones practicadas por los inuits y los aleuts, dos grupos que constituyen la mayoría de la población indígena del Ártico. Al proceder de culturas cazadoras, estos pueblos creen que es importante apaciguar y mantener buenas relaciones con los espíritus de los animales, por lo queseguiría cooperando con los humanos, haciendo posible la caza.

Una de las formas en que los cazadores inuit y aleutianos muestran tradicionalmente su respeto a estos espíritus es vistiendo ropas adornadas con finos diseños de animales. Al menos hasta mediados del siglo XIX, era una creencia común entre las tribus árticas que los animales preferían ser abatidos por cazadores que llevaban atuendos decorados. Los cazadores también pensaban que al incorporar motivos de animales en sus prendas de caza,los poderes y la protección de los espíritus de los animales les serían transferidos.

Durante las largas noches del Ártico, las mujeres indígenas dedicaban su tiempo a crear prendas de vestir y utensilios de caza visualmente atractivos. Pero estas artistas mostraban su creatividad no sólo a la hora de desarrollar sus bellos diseños, sino también en el momento de elegir sus materiales de trabajo. Las artesanas del Ártico utilizaban tradicionalmente una gran variedad de materiales animales, que iban desde la piel de ciervo, caribú y liebre, hastapiel de salmón, intestino de morsa, hueso, astas y marfil.

Estos artistas también trabajaban con materiales vegetales, como la corteza, la madera y las raíces. Algunos grupos, como los crees (un pueblo indígena que vive principalmente en el norte de Canadá), también utilizaban pigmentos minerales, hasta el siglo XIX, para elaborar sus paletas.

Costa Noroeste

La Costa Noroeste de América del Norte se extiende desde el río Copper, en el sur de Alaska, hasta la frontera entre Oregón y California. Las tradiciones artísticas indígenas de esta región tienen un largo recorrido, ya que se iniciaron aproximadamente hacia el año 3500 a.C., y han seguido evolucionando casi ininterrumpidamente en la mayor parte de este territorio.

Las pruebas arqueológicas demuestran que en el año 1500 a.C., muchos grupos de nativos americanos de toda esta zona ya dominaban formas de arte como la cestería, el tejido y la talla de madera. Sin embargo, a pesar de haber mostrado inicialmente un gran interés por la creación de pequeñas efigies, figurillas, cuencos y platos delicadamente tallados, la atención de estos artistas se dirigió con el tiempo a la producción de los grandes tótems paraque la Costa Noroeste es tan conocida.

Para entender por qué se produjo este cambio, es necesario saber primero que las sociedades nativas americanas que se desarrollaron en la Costa Noroeste habían establecido sistemas de clases muy bien definidos. Además, las familias e individuos que se encontraban en la cima de la escala social buscaban continuamente artistas que pudieran crear obras de arte visualmente impresionantes que sirvieran como símbolo de su riqueza yPor eso, los tótems solían colocarse delante de las casas de quienes los pagaban.

Los tótems solían estar hechos de troncos de cedro y podían llegar a medir hasta 60 pies de largo. Se tallaban con una técnica conocida como formline art, que consiste en tallar formas asimétricas (ovoides, formas de U y formas de S) en la superficie del tronco. Cada tótem está decorado con un conjunto de símbolos que representan la historia de la familia o de la persona que lo posee. Cabe destacar que la idea de queLos tótems deben ser adorados es una idea errónea difundida por personas no indígenas.

La función social de los tótems, como proveedores de relatos históricos, se observa mejor durante la celebración de los potlatches. Los potlatches son grandes fiestas, tradicionalmente celebradas por los nativos de la costa noroeste, en las que se reconoce públicamente el poder de ciertas familias o individuos.

Además, según las historiadoras del arte Janet C. Berlo y Ruth B. Phillips, es durante estas ceremonias cuando las historias presentadas por los tótems "explican, validan y reifican el orden social tradicional".

Conclusión

Entre las culturas nativas americanas, la apreciación del arte se basaba en la calidad, más que en los aspectos estéticos. El arte de los nativos americanos también se caracteriza por su carácter práctico, ya que gran parte de las obras de arte creadas en esta parte del mundo estaban pensadas para ser utilizadas como utensilios para actividades cotidianas comunes o incluso en ceremonias religiosas.