최초의 인간이 주변 환경을 어떤 식으로든 묘사하기 시작한 이래 드로잉과 회화의 세계는 끊임없이 수많은 움직임과 표현 형식으로 발전해 왔습니다. 우리가 선과 색을 사용하는 방식의 끊임없는 발전은 예술계에 큰 변화를 가져왔습니다.

동굴에 남겨진 최초의 손자국 이후로 많은 것이 만들어졌습니다. 그러나 무수히 많은 그림 중 일부는 시대를 초월한 걸작으로 눈에 띕니다. 다음은 세계에서 가장 유명한 그림 중 일부와 그 작품이 위대한 작품으로 평가받는 이유를 살펴봅니다.

모나리자

레오나르도 다빈치의 모나리자는 아마도 세계에서 가장 잘 알려진 그림일 것입니다. 이 르네상스 걸작은 예술의 정점 중 하나로 간주됩니다. 모나리자만큼 연구되고, 쓰여지고, 토론되고, 방문되고, 사랑받는 그림을 찾는 것은 확실히 어렵습니다.

사실주의, 수수께끼 같은 특징, 그녀의 유명한 미소로 전 세계 수십억 명의 사람들을 매혹시켰고, 모나리자는 날카로우면서도 부드러운 시선으로 등장합니다. 피사체의 3/4 포즈는 당시로서는 참신했습니다.

그림 자체는 남편 프란체스코 델 지오콘도가 초상화를 의뢰한 이탈리아 귀족 여성 리사 게라르디니를 묘사한 것으로 추정됩니다. 그러나 당신이 할 수 있듯이노란색 스펙트럼의 사용은 최근에 발명된 안료에 의해 가능해졌습니다.

해바라기 시리즈는 고갱과 반 고흐 사이의 긴장된 관계를 해결하지 못했으며, 그들의 쓰디쓴 낙진은 반 고흐의 붕괴와 파멸로 이어졌습니다. 자신의 귀를 자르는 비극적인 자해 행위.

아메리칸 고딕

아메리칸 고딕 by Grant Wood. PD.

아메리칸 고딕(American Gothic)은 미국 화가 그랜트 우드(Grant Wood)가 1930년에 그린 그림으로, 그랜트가 상상한 미국 고딕 양식의 집과 그 집에 살게 될 사람들을 그린 작품이다.

우드는 그의 그림에서 두 인물 – 날카로운 쇠스랑을 들고 있는 농부와 그의 딸(종종 그의 아내로 잘못 인식됨). 20세기 시골 아메리카나 의상을 입은 딸과 함께 시대에 맞게 차려입은 모습이 매우 강렬하고 진지한 모습을 하고 있다. . 이 그림에 대한 다른 많은 해석도 있었는데, 일부 학자들은 이 그림이 로마의 신인 플루토와 프로세르피나(그리스어로 하데스와 페르세포네)를 묘사하고 있다고 제안하는 반면, 다른 학자들은 우드 자신의 부모를 특징으로 한다고 추측합니다.

구성 8

바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 구성 8은 1923년 캔버스에 유화로 그린 그림입니다.밝은 파란색 영역으로 녹는 크림 배경의 선, 삼각형 및 다양한 기하학적 형태. 칸딘스키가 자신만의 스타일을 개발하도록 영감을 준 보편적인 미적 언어에 대한 송가로 간주됩니다.

구성 8은 단순한 모양과 형태로 말하고 칸딘스키의 추상적인 아방가르드 스타일을 향상시킵니다. 화가 자신도 그것을 자신의 최고의 업적 중 하나로 꼽았는데

시스티나 예배당 천장

미켈란젤로의 시스티나 예배당 천장

시스티나 예배당 미켈란젤로가 그린 천장은 최고의 걸작 중 하나이자 전성기 르네상스 예술의 정점입니다. 이 작품은 교황 율리우스 2세의 의뢰로 1508년에서 1512년 사이에 그렸습니다.

천장은 다양한 교황의 묘사와 함께 창세기의 여러 장면으로 장식되어 있습니다. 미켈란젤로가 다양한 포즈로 인물을 표현하는 기술과 누드 인물을 사용한 그의 선택을 보여주는 것으로 잘 알려져 있습니다. 이것은 회화의 누드가 감정 전달 도구로 사용된 이후의 발전에도 반영되었습니다.

시스티나 성당은 바티칸에서 가장 인기 있는 관광지 중 하나이며 매년 수많은 관광객을 끌어들입니다. 단, 카메라 플래시가 작품에 해를 끼칠 수 있어 천장 사진 촬영은 금지되어 있습니다.

기억의 지속성

기억의 지속성 살바도르 달리. PD.

기억의 지속(Persistence of Memory)은 살바도르 달리(Salvador Dali)의 1931년 그림으로 초현실주의의 가장 유명한 작품 중 하나가 되었습니다. 이 그림은 때때로 "Melting Clocks" 또는 "The Melting Watches"라고 불립니다.

이 작품은 다양한 녹는 단계에서 여러 시계가 묘사된 초현실적인 장면을 특징으로 합니다. Dali는 그림에서 녹고 부드러운 시계를 묘사하면서 공간과 시간의 상대성에 대해 언급합니다. 이미지 중앙에는 달리가 자화상의 한 형태로 자주 사용하는 이상한 괴물 같은 생물이 있습니다. 자세히 보면 속눈썹, 코, 눈, 그리고 아마도 생물의 혀를 볼 수 있습니다. 왼쪽 모서리에 있는 주황색 시계는 달리가 부패를 나타내는 데 자주 사용하는 기호인 개미로 덮여 있습니다. 비교할 수 없는 천재성과 창의성의 걸작. 일부는 다른 사람들로부터 욕과 비난을 받았지만, 그들 모두는 당시의 교리에 도전했습니다. 그들은 혁신적이었고 인간의 감정과 복잡한 감정과 생각을 보여주었습니다. 가장 중요한 것은 오늘날에도 여전히 관련성이 있다는 것입니다. 어느 것이 가장 좋아합니까?

그 그림은 1506년에 완성된 것으로 여겨졌지만 다 Vinci는 작업을 중단하지 않았습니다. 현재 모나리자는 프랑스 공화국에 속해 있으며 1797년부터 파리의 루브르 박물관에 자랑스럽게 전시되어 있습니다. 독특한 역사와 우여곡절 끝에 오랜 세월 명성을 떨쳤습니다.

진주 귀걸이를 한 소녀

진주 귀걸이를 한 소녀 Johannes Vermeer의 유명한 네덜란드 석유 걸작입니다. 1665년에 완성된 이 그림은 그 이후 단순함과 섬세한 빛의 특성, 또 다른 수수께끼 같은 인물의 묘사로 수백만 명의 호기심을 사로잡았습니다.

진주 귀걸이를 한 소녀는 유럽 소녀를 묘사합니다. 이 작품을 만들 당시 네덜란드에서는 착용하지 않았던 이색적인 옷인 머리 스카프를 착용했습니다. 보는 사람을 바라보는 소녀의 수줍지만 날카로운 눈빛은 그녀의 이목구비를 장식하는 하나의 빛나는 배 모양의 귀걸이에서 간신히 시선을 끕니다.

이것은 베르메르의 가장 유명한 작품이며 그의 진정한 정도는1994년에 새로운 색상과 색조가 드러난 세심한 복원 후에야 뛰어난 작품을 볼 수 있었습니다. 진주 귀걸이를 한 소녀는 인류의 가장 위대한 예술 작품의 받침대에 정당하게 자리를 잡았습니다. 2014년에 이 그림 은 천만 달러 이상에 경매되었습니다 .

캠벨 수프 캔

앤디 워홀의 캠벨 수프 캔.

Andy Warhol의 Campbell's Soup Cans는 1962년에 제작된 Campbell's 사의 통조림 토마토 수프를 보여주는 일련의 캔버스를 대표하는 예술 작품입니다.

작품 자체는 다음과 같이 구성됩니다. 전체 작품을 구성하는 32개의 작은 캔버스. 대중에게 공개된 지 얼마 되지 않아 전 미술계에 충격파를 일으켰고, 팝아트와 산업 디자인의 예술 무대로의 문을 열었습니다. 그러나 Andy Warhol은 예술에서 종종 무시되는 평범한 문화와 현대성에 대한 감사를 이 작품을 통해 보여주었습니다. 깡통은 예술에 대한 모욕이라는 꼬리표가 붙었지만 팝아트와 산업 디자인 시대를 열었다는 찬사를 받기도 했습니다.

별이 빛나는 밤

빈센트 반 고흐의 별이 빛나는 밤은 1889년에 그렸고해가 뜨기 직전 망명실 창에서 보이는 멋진 풍경을 묘사했습니다. 이 그림은 빈센트 반 고흐가 경험한 관점을 다소 낭만적이고 양식적으로 표현한 것입니다.

반 고흐는 짧은 붓놀림으로 인공 색상 팔레트를 사용하여 그림에 미묘하고 초현실적인 모습을 부여하여 보는 사람을 사로잡습니다. 또한 발광에 중점을 둡니다. 격동하는 소용돌이를 통해 묘사된 그림의 유동적인 역학은 움직임을 더하고 감정을 전달합니다.

별이 빛나는 밤은 19세기 골치 아픈 예술가 빈센트 반 고흐의 날것의 소용돌이치는 맥동하는 감정을 포착합니다. 그림은 고요하고 고요한 장면을 묘사하지만 창작의 맥락은 그렇지 않습니다. 반 고흐는 정신적 쇠약으로 왼쪽 귀를 절단한 후 정신병원에서 그림을 그렸습니다.

흥미롭게도 반 고흐는 자신의 별이 빛나는 밤을 항상 예술적 실패로 여겼지만 언젠가는 그렇게 될 줄 몰랐습니다. 인류 역사상 가장 존경받는 예술 작품 중 하나. 현재 이 그림의 가치는 1억 달러가 훨씬 넘습니다.

모네의 인상, 일출

인상, 일출. 퍼블릭 도메인.

인상, 일출은 클로드 모네가 1872년에 그렸습니다. 그것은 즉시 회화의 새로운 시대를 열었습니다. 그런 기념비적인 작품을 위해, 그것은 안개가 자욱한 배경에서 게으른 물과 산업 풍경, 그리고 어부들을 묘사합니다.붉게 타오르는 태양이 지평선 위로 떠오르는 장면을 내려다보고 있는 그들의 보트에서.

그 그림은 칭찬을 제외하고는 모든 것을 받았고 그 시대의 대부분의 예술가들에 의해 미성숙하고 아마추어적이라고 생각하는 잔인한 비난을 받았습니다. 당시 비평가들은 그림의 이름을 유사한 스타일로 그린 예술가 그룹에 라벨을 붙이기까지 했으며, 그들과 그들의 새로운 운동에 인상주의 라는 유명한 이름을 붙였습니다.

그림에 대해 다음과 같이 말합니다. 저는 Le Havre의 창밖에서 작업한 것을 제출했습니다. 전경에 몇 개의 돛대가 아래에 있는 배에서 튀어나와 안개 속의 햇빛과 함께요. 그들은 카탈로그의 제목을 원했습니다. 르아브르의 전경으로 그냥 지나칠 수는 없었기에 "인상은 내려놓으세요."라고 대답했습니다. 그로부터 인상주의가 생겨났고 농담이 급증했다… 뻣뻣하고 생명력 없는 풍경을 그리는 대신 화면 속 사물이 지닌 색채와 감성, 에너지에 집중했다.

게르니카

모자이크 타일로 재현한 게르니카

게르니카는 종종 거론된다. 파블로 피카소의 가장 유명한 그림이며 아마도 그의 개인적으로 가장 고통스러운 예술 중 하나일 것입니다.조각. 그것은 캔버스에 적힌 가장 위대한 예술적 반전 선언 중 하나로 널리 알려져 있습니다.

피카소는 나치 군대가 스페인 북부 바스크 지방의 작은 마을인 게르니카를 무차별 폭격한 것에 경악했습니다. 스페인 민족주의자들과 파시스트 이탈리아의 협력. 그는 폭격에 대한 반응으로 즉시 게르니카를 그렸습니다.

그 그림은 분명히 정치적인 작품이며 스페인에서 펼쳐지고 있는 사건에 전 세계의 관심을 불러일으켰습니다. 오늘날 게르니카의 대형 태피스트리 사본이 뉴욕의 유엔 본부 안보리 회의실 입구에 걸려 있습니다.

완전히 확인되지는 않았지만 일부 외교관들은 이 그림이 부시 행정부가 이라크와의 전쟁 동기와 주장에 대해 발표하여 반전 메시지가 담긴 그림이 배경에 보이지 않도록 했습니다.

게르니카는 마드리드에서 찾을 수 있습니다. 수십 년 동안 표시됩니다. 약 2억 달러로 알려져 있다.

카나가와의 큰 파도

카나가와의 큰 파도 카투시카 호쿠사이. Public Domain.

The Great Wave Off Kanagawa는 19세기 일본 예술가 Hokusai의 목판화입니다. 이 인쇄물은 거대한 파도를 묘사하고 있으며, 피지 산에 가까운 해안에서 약간 떨어진 세 척의 작은 배를 위협하고 있습니다.

일부 미술사학자들은 이 그림이 일본 문화에서 상당히 두려운 자연의 힘인 쓰나미를 상징한다고 믿지만 다른 이들은 이것이 그림의 메시지가 아니라고 주장합니다. 이 그림은 여전히 ​​인류에 대한 일본의 가장 위대한 예술적 공헌 중 하나로 간주됩니다.

가나가와의 대파도 또한 대중 문화의 일부가 되었으며 고유한 이모티콘이 있습니다!

검은 사각형

검은 사각형 카지미르 말레비치. 퍼블릭 도메인.

검은 사각형은 미술계에서 사랑받기도 하고 멸시받기도 하는 카지미르 말레비치의 그림이다. 캔버스에 하나의 검은색 사각형을 표시합니다. 이 작품은 1915년 최후의 미래파 전시회에 출품되었다. 당연히 검은 사각형의 그림은 미술계에 많은 혼란을 야기했다.

말레비치는 자신의 검은 사각형이 0, 무(無)에 대한 논평이라고 평했다. 모든 것이 시작되는 무(無)와 창조가 시작되는 무(無)는 해방된 무(無)의 비객관성과 하얀 공허함을 묘사한다.

오늘 그림은 균열이 생기기 시작했고 균열을 통해 색이 나타나기 시작했다. 엑스레이 분석 결과 검은색 사각형 아래에 밑에 있는 이미지가 있음이 밝혀졌습니다.

The Kiss

The Kiss by Gustav Klimt . 퍼블릭 도메인.

<키스>는 오스트리아 상징주의 화가 구스타프 클림트의 유명한 그림으로세계에서 가장 잘 알려진 예술 작품 중 하나. 캔버스에 그린 이 유화는 아마도 그림 역사상 가장 위대한 사랑의 표현 중 하나일 것입니다. 깊은 포옹으로 서로를 안고 있는 부부를 묘사한 것입니다. 그것은 그의 예술 작품에 금박을 포함시킨 클림트의 황금 시대의 끝을 의미했습니다. 표현은 포기, 기쁨, 평온, 엑스터시를 의미합니다. 검은색과 회색의 기하학적 블록을 특징으로 하는 남자의 예복은 그의 힘과 지배적인 남성의 힘을 암시하는 반면, 여자의 부드러운 소용돌이와 꽃무늬 드레스는 그녀의 여성성, 연약함, 부드러움을 강조합니다.

그림 아르누보 시대에 영감을 주었고, 특히 예술, 패션, 디자인의 발전에 미친 영향과 관련하여 오늘날까지 걸작으로 간주됩니다.

최후의 만찬

레오나르도 다빈치의 최후의 만찬. PD.

<최후의 만찬>은 밀라노에서 발견된 레오나르도 다빈치의 전성기 르네상스 시대 걸작 벽화다. 이 15세기 벽화는 예수와 12제자의 최후의 만찬을 묘사합니다. 그림이 벽에서 발견되지만 프레스코화는 아닙니다. 대신 다빈치는 벽의 돌에 템페라 물감을 사용하는 혁신적인 신기술을 사용했습니다.

관점그림은 그것을 그렇게 매력적으로 만드는 것의 일부입니다. Da Vinci는 심도 선을 만들기 위해 벽 중앙에 박힌 못에 끈을 묶었다고 합니다. 이를 통해 그는 예수를 소실점으로 하는 단일 관점을 확립할 수 있었습니다.

다빈치는 그의 많은 그림과 마찬가지로 최후의 만찬과 씨름했으며, 악랄한 유다의 얼굴을 묘사하는 데 문제가 있다고 합니다. 그는 예수께서 제자 중 한 명이 자신을 배반할 것이라고 밝히신 순간과 이 선언 이후에 뒤따른 충격적인 반응에 초점을 맞추고 싶었습니다. 다 빈치는 작품의 완성도를 위해 수년에 걸쳐 쉬지 않고 작업했습니다. 빈센트 반 고흐의

해바라기

해바라기 . PD.

해바라기는 1887년 해바라기 연작을 그린 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐의 천재적인 작품이다. 꽃병에 느긋하게 앉아 있습니다.

그의 다른 대부분의 그림과 마찬가지로 해바라기 뒤에 숨겨진 이야기는 다소 어둡습니다. 반 고흐는 그곳을 방문한 동료 화가 고갱에게 깊은 인상을 주기 위해 그 그림을 그렸습니다. 반 고흐는 초기 꽃에서 시들고 썩는 것까지 삶의 모든 단계에서 해바라기를 묘사하는 전체 시리즈의 해바라기를 그리기까지 했습니다. 이것은 아마도 반 고흐의 가장 잘 알려진 일련의 그림일 것입니다.