Încă de când primii oameni au decis să înceapă să-și descrie mediul înconjurător într-un fel sau altul, lumea desenului și a picturii nu a încetat să se dezvolte în nenumărate mișcări și forme de expresie. Evoluția constantă a modului în care folosim liniile și culoarea a creat schimbări de proporții în lumea artei.

Multe au fost produse încă de la primele amprente de mână care au fost lăsate pe peșteri. Cu toate acestea, dintre toate miriadele de picturi, unele se remarcă drept capodopere de-a lungul timpului. Iată o privire asupra unora dintre cele mai faimoase picturi din lume și de ce sunt considerate mărețe.

Mona Lisa

Mona Lisa de Leonardo da Vinci este probabil cel mai cunoscut tablou din lume. Această capodoperă renascentistă este considerată una dintre culmile artei. Este cu siguranță greu de găsit un alt tablou care să fi fost atât de cercetat, despre care s-a scris, dezbătut, vizitat și iubit ca Mona Lisa.

Cunoscută pentru realismul său, trăsăturile enigmatice și expresia facială a unei femei care a fermecat miliarde de oameni din întreaga lume cu faimosul său zâmbet, Mona Lisa impresionează prin privirea sa pătrunzătoare, dar blândă. Postura de trei sferturi a subiectului era o noutate la acea vreme.

Se presupune că pictura în sine ar fi o reprezentare a Lisei Gherardini, o nobilă italiană al cărei portret a fost comandat de soțul ei, Francesco del Giocondo. Însă, după cum probabil știți, povestea picturii Mona Lisa a trecut prin mai multe răsturnări de situație și nu a ajuns niciodată să aparțină comisionarului tabloului, Francesco del Gioconda.

Se credea că pictura a fost terminată în 1506, dar da Vinci nu a încetat niciodată cu adevărat să lucreze la ea. În prezent, Mona Lisa aparține Republicii Franceze și este expusă cu mândrie la Muzeul Luvru din Paris din 1797. Cu toate acestea, deși este o mare operă de artă, istoricii de artă sunt de acord că nu este superioară celorlalte lucrări ale lui da Vinci. Faima sa durabilă a fost ajutată de-a lungul timpului deistoria unică și răsturnările de situație pe care le-a avut de-a lungul anilor.

Fata cu cercelul de perlă

Fata cu cercel de perlă de Johannes Vermeer este o celebră capodoperă olandeză în ulei. Pictura a fost terminată în 1665 și de atunci a captivat curiozitatea a milioane de oameni prin simplitatea sa, prin caracteristica delicată a luminii și prin reprezentarea unui alt personaj enigmatic.

Fata cu cercel de perlă înfățișează o fată europeană purtând o eșarfă pe cap, o piesă vestimentară exotică care nu se purta în Țările de Jos la momentul realizării acestei piese. Privirea timidă, dar pătrunzătoare a fetei către privitor abia dacă distrage atenția de la unicul cercel strălucitor în formă de pară care îi decorează trăsăturile feței.

Aceasta este cea mai faimoasă operă de artă a lui Vermeer, iar adevăratul grad de măiestrie al operei sale a fost vizibil doar după restaurările meticuloase din 1994, când au fost dezvăluite noi straturi de culoare și ton. Fata cu cercel de perlă și-a câștigat pe bună dreptate locul pe piedestalul celor mai mari opere de artă ale umanității. În 2014, tabloul a fost vândut la licitație pentru peste 10 milioane de dolari .

Campbell's Soup Cans

Conserve de supă Campbell's Soup Cans de Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans (Campbell's Soup Cans) de Andy Warhol este o operă de artă care a fost realizată în 1962 și care reprezintă o serie de pânze care prezintă conserve de supe de roșii ale companiei Campbell's.

Lucrarea în sine este formată din 32 de pânze de mici dimensiuni care alcătuiesc întreaga operă. La scurt timp după ce a fost dezvăluită publicului, aceasta a provocat o undă de șoc în întreaga lume a artei și a deschis porțile artei pop și designului industrial pe scena artistică.

Semnificația din spatele cutiilor de supă Campbell pare să nu existe, însă Andy Warhol a folosit această piesă pentru a-și arăta aprecierea pentru cultura obișnuită și modernitatea care era adesea ignorată în artă. în mod intenționat, Warhol a ales să nu infuzeze piesa cu nicio reprezentare a unui comentariu emoțional sau social. Cutiile au fost etichetate ca fiind o ofensă adusă artei, dar au fost, de asemenea, lăudate ca fiind aducătoare ale erei deartă pop și design industrial.

Noaptea înstelată

Noaptea înstelată de Vincent van Gogh a fost pictată în 1889 și înfățișează o priveliște uimitoare văzută de la fereastra unei camere de azil chiar înainte de răsăritul soarelui. Pictura este o reprezentare oarecum romanțată și stilizată a priveliștii trăite de Vincent van Gogh.

Van Gogh folosește o paletă de culori artificiale, cu tușe scurte, care conferă picturii un aspect eteric, de altă lume, captivând privitorul. Există, de asemenea, un accent puternic pe luminescență. Dinamica fluidă a picturii, descrisă prin vârtejurile turbulente, adaugă mișcare și transmite emoție.

Noaptea înstelată surprinde emoțiile crude, spiralate și pulsatorii ale lui Vincent van Gogh, un artist tulburător și tulburat din secolul al XIX-lea. Tabloul înfățișează o scenă senină și liniștită, însă contextul în care a fost creat nu este deloc așa. Van Gogh a realizat tabloul într-un azil după ce și-a mutilat urechea stângă în urma unei crize psihice.

Interesant este faptul că Van Gogh a considerat întotdeauna noaptea înstelată ca fiind un eșec artistic, fără să știe că într-o zi va deveni una dintre cele mai venerate opere de artă din istoria omenirii. Astăzi, tabloul valorează mai bine de 100 de milioane de dolari.

Impresie, Răsărit de soare

Impresie, Răsărit de soare de Monet. Domeniu public.

Impresie, răsărit de soare a fost pictat în 1872 de Claude Monet, deschizând imediat o nouă eră a picturii. Pentru o lucrare atât de monumentală, pictura înfățișează ape leneșe și un peisaj industrial pe fundalul ceții, precum și pescari în bărcile lor, iar soarele roșu aprins domină scena în timp ce se ridică deasupra orizontului.

Tabloul a primit orice, mai puțin laude și a fost denunțat cu brutalitate de majoritatea artiștilor din epocă, care îl considerau imatur și amatoricesc. Criticii din acea vreme au folosit chiar numele tabloului pentru a eticheta un grup de artiști care pictau într-un stil asemănător, dându-le acestora și noii lor mișcări numele celebru: Impresionism .

Monet avea să spună mai târziu despre tablou: "Un peisaj este doar o impresie, instantanee, de unde și eticheta pe care ne-au dat-o - totul din cauza mea, de altfel. Prezentasem ceva făcut de la fereastra mea de la Le Havre, lumina soarelui în ceață, cu câteva catarge în prim-plan, care se desprindeau de navele de jos. Au vrut un titlu pentru catalog; nu putea trece drept o priveliște a orașului Le Havre, așa că ama răspuns: "Puneți impresia." De aici a ieșit impresionismul, iar glumele au proliferat...."

Impresionismul a schimbat complet contextul tematic al picturii. În loc să descrie scene rigide și lipsite de viață, s-a concentrat pe culoarea, emoția și energia obiectelor de pe pânză. Impresia, Sunrise a fost cea care a dat startul.

Guernica

Reproducerea Guernica cu plăci de mozaic

Guernica este adesea considerată cea mai faimoasă pictură a lui Pablo Picasso și este probabil una dintre cele mai dureroase opere de artă ale sale personale. Este considerată una dintre cele mai mari declarații artistice anti-război puse vreodată pe pânză.

Picasso a fost îngrozit de bombardarea ocazională a orașului Guernica, un orășel din Țara Bascilor, în nordul Spaniei, de către forțele naziste, cu colaborarea naționaliștilor spanioli și a Italiei fasciste. A pictat imediat Guernica ca reacție la bombardament.

Pictura este, în mod evident, o operă politică și a atras atenția întregii lumi asupra evenimentelor care se desfășurau în Spania. Astăzi, o copie mare de tapiserie a Guernica este atârnată la sediul Organizației Națiunilor Unite din New York, chiar la intrarea în sala Consiliului de Securitate.

Deși nu a fost confirmat pe deplin, unii diplomați afirmă că tabloul a fost acoperit în timpul anunțului făcut de administrația Bush cu privire la motivele și argumentele sale pentru războiul împotriva Irakului, astfel încât tabloul cu mesajul său împotriva războiului să nu fie văzut în fundal.

Guernica se găsește la Madrid, unde este expusă de zeci de ani. Se presupune că este evaluată la aproximativ 200 de milioane de dolari.

Marele val în largul Kanagawa

Marele val din largul Kanagawa de Katushika Hokusai. Domeniu public.

Marele val din largul Kanagawa este o gravură din secolul al XIX-lea, realizată de artistul japonez Hokusai, care înfățișează un val gigantic ce amenință trei bărci mici în largul coastei, în apropierea muntelui Fiji, care este reprezentat în fundal.

Unii istorici de artă consideră că pictura reprezintă un tsunami, o forță a naturii destul de temută în cultura japoneză, însă alții susțin că nu acesta este mesajul picturii. Pictura este considerată în continuare una dintre cele mai mari, dacă nu chiar cea mai mare, contribuție artistică a Japoniei pentru umanitate.

Marele val din Kanagawa a devenit, de asemenea, o parte a culturii pop și are propriul său emoji!

Piața Neagră

Piața Neagră de Kazimir Malevich. Domeniu public.

Pătratul negru este o pictură a lui Kazimir Malevici, atât iubită, cât și disprețuită în lumea artei. Aceasta prezintă un singur pătrat negru pe pânză. Lucrarea a fost prezentată la Ultima Expoziție Futuristă din 1915. În mod firesc, pictura unui pătrat negru a provocat multă confuzie în lumea artei.

Malevici a comentat că pătratul său negru este un comentariu despre zero, despre neantul din care începe totul și despre neantul din care se naște creația, reprezentând non-obiectivitatea și goliciunea albă a unui nimic eliberat.

Astăzi, pictura a început să prezinte crăpături, arătând culori care ies prin crăpături. Analiza cu raze X a dezvăluit că există o imagine subiacentă care se află sub pătratul negru.

Sărutul

Sărutul de Gustav Klimt. Domeniu public.

Sărutul este un tablou celebru al pictorului simbolist austriac Gustav Klimt și una dintre cele mai recunoscute opere de artă din lume. Acest ulei pe pânză este probabil una dintre cele mai mari reprezentări ale iubirii din istoria picturii, înfățișând un cuplu care se ține strâns în brațe într-o îmbrățișare profundă. A marcat sfârșitul perioadei de aur a lui Klimt, care a văzut includerea frunzei de aur în operele sale de artă.

Emoțiile amestecate prezentate în pictură sunt o parte din ceea ce a contribuit la atracția sa durabilă, deoarece expresia facială a femeii implică abandonul, dar și încântarea, liniștea și extazul. Hainele bărbatului, cu blocuri geometrice în negru și gri, implică puterea și forța masculină dominantă, în timp ce rochiile mai moi ale femeii și rochia cu motive florale îi subliniază feminitatea,fragilitate și moliciune.

Tabloul a devenit o sursă de inspirație în perioada Art Nouveau, iar până în prezent este considerat o capodoperă, în special în ceea ce privește influența sa asupra dezvoltării artei, modei și designului.

Cina cea de Taină

Cina cea de Taină de Leonardo da Vinci. PD.

Cina cea de Taină este o capodoperă murală din perioada Renașterii înalte, realizată de Leonardo da Vinci și descoperită la Milano. Această pictură murală din secolul al XV-lea înfățișează ultima cină a lui Iisus și a celor 12 ucenici ai săi. Deși pictura se găsește pe un perete, nu este o frescă. În schimb, da Vinci a folosit o tehnică nouă și inovatoare, folosind vopsele tempera pe piatra de pe perete.

Perspectiva picturii este o parte din ceea ce o face atât de atrăgătoare. Da Vinci ar fi legat o bucată de sfoară de un cui bătut în centrul peretelui pentru a crea liniile de adâncime a câmpului. Acest lucru i-a permis să stabilească o singură perspectivă, cu Iisus ca punct de fugă.

La fel ca în cazul multora dintre picturile sale, da Vinci a avut probleme cu Cina cea de Taină, se presupune că a avut probleme în încercarea de a descrie chipul ticălos al lui Iuda. El a vrut să se concentreze pe momentul în care Iisus dezvăluie că unul dintre discipolii săi îl va trăda și pe reacțiile șocate care au urmat după această declarație. Da Vinci a petrecut ani întregi lucrând la această lucrare pentru a atinge perfecțiunea.

Floarea-soarelui

Floarea-soarelui de Vincent van Gogh. PD.

Floarea-soarelui este o altă operă de geniu a pictorului olandez Vincent van Gogh, care a lucrat la o serie de tablouri cu floarea-soarelui în 1887. Cel mai notabil tablou al său înfățișează un aranjament al unui buchet de floarea-soarelui care stă leneș într-o vază.

La fel ca în cazul majorității celorlalte picturi ale sale, povestea din spatele Floarea-soarelui este destul de întunecată. Van Gogh le-a pictat pentru a-l impresiona pe colegul său Gaugin, care se afla în vizită. Van Gogh a mers atât de departe încât a realizat o întreagă serie de picturi de floarea-soarelui, înfățișându-le în toate stadiile vieții, de la primele flori până la cele ofilite și putrede. Aceasta este probabil cea mai cunoscută serie de picturi a lui van Gogh și au fost consideraterevoluționară datorită utilizării spectrului de nuanțe galbene, posibilă datorită pigmenților care fuseseră inventați recent.

Seria "Floarea-soarelui" nu a rezolvat relația încordată dintre Gaugin și Van Gogh, iar conflictul lor amar a dus la căderea lui Van Gogh și la actul tragic de automutilare prin tăierea propriei urechi.

American Gothic

American Gothic de Grant Wood. PD.

American Gothic este o pictură realizată de pictorul american Grant Wood în 1930, care înfățișează o casă gotică americană și oamenii pe care Grant și-a imaginat că ar locui în astfel de case.

Wood înfățișează în tabloul său două figuri - un fermier, care ține în mână o furcă ascuțită, și fiica sa (adesea confundată cu soția sa). Figurile au un aspect foarte frapant și serios și sunt îmbrăcate conform vremurilor, fiica purtând haine din secolul al XX-lea din mediul rural american.

În timpul Marii Depresiuni, figurile au ajuns să reprezinte spiritul perseverent și puternic al pionierilor americani. De asemenea, au existat multe alte interpretări ale picturii, unii cercetători sugerând că pictura îi înfățișează pe zeitățile romane Pluto și Proserpina (echivalentul grecesc al lui Hades și Persefona), în timp ce alții speculează că îi înfățișează pe proprii părinți ai lui Wood.

Compoziție 8

Compoziția 8 de Wassily Kandinsky este o pictură în ulei pe pânză care datează din 1923 și care prezintă un aranjament de cercuri, linii, triunghiuri și diferite forme geometrice pe un fundal crem care se topește în regiuni de albastru deschis. Este considerată o odă la un limbaj estetic universal care l-a inspirat pe Kandinsky să-și dezvolte propriul stil.

Compoziția 8 vorbește în forme și forme simple și înalță stilul abstract avangardist al lui Kandinsky. Pictorul însuși a considerat-o una dintre cele mai mari realizări ale sale,

Plafonul Capelei Sixtine

Plafonul Capelei Sixtine de Michelangelo

Plafonul Capelei Sixtine pictat de Michelangelo este una dintre cele mai mari capodopere și un punct culminant al artei Renașterii înalte. Lucrarea a fost comandată de Papa Iulius al II-lea și a fost pictată între 1508 și 1512.

Tavanul este decorat cu mai multe scene din Cartea Genezei, alături de reprezentări ale diferiților papi. Este bine cunoscut pentru că prezintă abilitatea lui Michelangelo de a reprezenta figuri umane în diferite ipostaze și pentru alegerea sa de a folosi figuri nud. Acest lucru a avut ecou în evoluțiile ulterioare, când nuditatea în pictură a fost folosită ca un instrument de transmitere a emoțiilor.

Capela Sixtină este unul dintre cele mai populare obiective turistice din Vatican și atrage mulțimi de turiști în fiecare an. Cu toate acestea, este interzis să faci fotografii ale tavanului, deoarece blițurile aparatelor foto pot fi dăunătoare operelor de artă.

Persistența memoriei

Persistența memoriei de Salvador Dali. PD.

Persistența memoriei este o pictură din 1931 a lui Salvador Dali, care a devenit una dintre cele mai cunoscute opere ale suprarealismului. Pictura este uneori numită "Ceasurile care se topesc" sau "Ceasurile care se topesc".

Lucrarea prezintă o scenă suprarealistă, cu mai multe ceasuri înfățișate în diferite stadii de topire. Dali comentează relativitatea spațiului și a timpului, înfățișând în pictură ceasurile moi care se topesc. În centrul imaginii se află o creatură ciudată, asemănătoare unui monstru, adesea folosită de Dali ca o formă de autoportret. Dacă te uiți cu atenție, poți vedea genele, nasul, ochiul și, poate, limba luiCeasul portocaliu din colțul din stânga este acoperit de furnici, un simbol folosit adesea de Dali pentru a reprezenta descompunerea.

Încheiere

Lista de mai sus de picturi capodopere artistice de geniu și creativitate de neegalat. Deși unele au fost înjurate și criticate de alții, toate au sfidat dogmele timpului lor. Au fost inovatoare, prezentând emoția umană și sentimente și gânduri complexe. Cel mai important, ele rămân relevante până în ziua de azi. Care este preferata ta?