Da quando i primi esseri umani hanno deciso di iniziare a rappresentare ciò che li circondava in un modo o nell'altro, il mondo del disegno e della pittura non ha mai smesso di svilupparsi in innumerevoli movimenti e forme di espressione. La costante evoluzione del modo in cui usiamo le linee e il colore ha creato cambiamenti di marea nel mondo dell'arte.

Molto è stato prodotto fin dalle prime impronte lasciate sulle caverne. Tuttavia, tra le miriadi di dipinti, alcuni si distinguono come capolavori nel corso dei secoli. Ecco una panoramica di alcuni dei dipinti più famosi del mondo e del perché sono considerati grandi.

Monna Lisa

Monna Lisa di Leonardo da Vinci è forse il dipinto più conosciuto al mondo. Questo capolavoro rinascimentale è considerato uno dei vertici dell'arte. È sicuramente difficile trovare un altro dipinto che sia stato così studiato, scritto, discusso, visitato e amato come Monna Lisa.

Conosciuta per il suo realismo, i tratti enigmatici e l'espressione del viso di una donna che ha incantato miliardi di persone in tutto il mondo con il suo famoso sorriso, la Gioconda affascina con il suo sguardo penetrante e al tempo stesso dolce. La posa di tre quarti del soggetto era una novità per l'epoca.

Il dipinto in sé dovrebbe essere una raffigurazione di Lisa Gherardini, una nobildonna italiana il cui ritratto fu commissionato dal marito Francesco del Giocondo. Ma, come forse saprete, la storia del dipinto di Monna Lisa ha subito molti colpi di scena e non è mai finita per appartenere al committente del quadro Francesco del Gioconda.

Si ritiene che il dipinto sia stato terminato nel 1506, ma in realtà da Vinci non ha mai smesso di lavorarci. Attualmente la Monna Lisa appartiene alla Repubblica francese e dal 1797 è esposta con orgoglio al Museo del Louvre di Parigi. Tuttavia, pur essendo una grande opera d'arte, gli storici dell'arte sono concordi nel ritenere che non sia superiore alle altre opere di da Vinci. La sua fama duratura è stata favorita dal suostoria unica e le svolte che ha avuto nel corso degli anni.

La ragazza con l'orecchino di perla

La Ragazza con l'orecchino di perla di Johannes Vermeer è un celebre capolavoro olandese a olio, terminato nel 1665, che da allora ha catturato la curiosità di milioni di persone con la sua semplicità, la delicata caratteristica della luce e la rappresentazione di un altro personaggio enigmatico.

La Ragazza con l'orecchino di perla raffigura una ragazza europea che indossa un foulard, un capo d'abbigliamento esotico che non veniva indossato nei Paesi Bassi all'epoca della realizzazione di quest'opera. Lo sguardo timido ma penetrante della ragazza verso lo spettatore distoglie appena l'attenzione dall'unico orecchino a forma di pera che le decora il viso.

Questa è l'opera d'arte più famosa di Vermeer, e il vero grado di maestria del suo lavoro è stato visibile solo dopo un meticoloso restauro nel 1994, quando sono stati rivelati nuovi strati di colore e tonalità. La Ragazza con l'orecchino di perla si è giustamente guadagnata un posto sul piedistallo delle più grandi opere d'arte dell'umanità. Nel 2014, il quadro è stato venduto all'asta per oltre 10 milioni di dollari .

Lattine di zuppa Campbell's

Lattine di zuppa Campbell's di Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans di Andy Warhol è un'opera d'arte realizzata nel 1962 che rappresenta una serie di tele che raffigurano zuppe di pomodoro in scatola dell'azienda Campbell's.

L'opera, composta da 32 piccole tele che la compongono per intero, non molto tempo dopo essere stata rivelata al pubblico, ha provocato un'onda d'urto in tutto il mondo dell'arte e ha aperto le porte alla pop art e al design industriale sul palcoscenico dell'arte.

Il significato delle Campbell's Soup Cans apparentemente non esiste, eppure Andy Warhol ha usato questo pezzo per mostrare il suo apprezzamento per la cultura ordinaria e la modernità spesso ignorata nell'arte. Warhol ha scelto di proposito di non infondere al pezzo alcuna rappresentazione di commenti emotivi o sociali. Le lattine sono state etichettate come un'offesa all'arte, ma sono state anche elogiate come portatrici dell'era dipop art e design industriale.

La notte stellata

La notte stellata di Vincent van Gogh fu dipinta nel 1889 e raffigura un panorama mozzafiato visto dalla finestra di una stanza d'asilo poco prima dell'alba. Il dipinto è una rappresentazione in qualche modo romantica e stilizzata del panorama vissuto da Vincent van Gogh.

Van Gogh utilizza una tavolozza di colori artificiali con pennellate brevi, che conferiscono al dipinto un aspetto etereo e ultraterreno, affascinando l'osservatore. C'è anche una forte attenzione alla luminescenza. La dinamica fluida del dipinto, rappresentata attraverso i vortici turbolenti, aggiunge movimento e trasmette emozioni.

La Notte stellata cattura le emozioni crude, spiraleggianti e pulsanti di Vincent van Gogh, un artista del XIX secolo inquieto e problematico. Il dipinto raffigura una scena di serena tranquillità, ma il contesto in cui è stato creato non è affatto così: Van Gogh realizzò il quadro in un manicomio dopo essersi mutilato l'orecchio sinistro in seguito a un esaurimento nervoso.

È interessante notare che Van Gogh ha sempre considerato la sua Notte stellata come un fallimento artistico, senza sapere che un giorno sarebbe diventata una delle opere d'arte più venerate della storia dell'umanità. Oggi il dipinto vale ben oltre 100 milioni di dollari.

Impressione, Alba

Impressione, Alba di Monet. Pubblico dominio.

L'Impressione, l'alba fu dipinta nel 1872 da Claude Monet e diede subito inizio a una nuova era pittorica. Per essere un'opera così monumentale, raffigura acque pigre e un paesaggio industriale sullo sfondo nebbioso, e pescatori sulle loro barche con il sole rosso e splendente che domina la scena mentre sorge sopra l'orizzonte.

Il dipinto ricevette tutto fuorché elogi e fu brutalmente denunciato dalla maggior parte degli artisti dell'epoca che lo considerarono immaturo e dilettantesco. La critica dell'epoca utilizzò addirittura il nome del dipinto per etichettare un gruppo di artisti che dipingevano in uno stile simile, dando a loro e al loro nuovo movimento il famoso nome: Impressionismo .

Monet dirà in seguito del dipinto: "Un paesaggio è solo un'impressione, istantanea, da qui l'etichetta che ci hanno dato - tutto per colpa mia, se è per questo. Avevo presentato una cosa fatta dalla mia finestra a Le Havre, la luce del sole nella nebbia con alcuni alberi in primo piano che spuntavano dalle navi sottostanti. Volevano un titolo per il catalogo; non poteva passare come una veduta di Le Havre, così hoRisponde: "Metti giù Impression", da cui è nato l'impressionismo, e le battute sono proliferate....".

L'Impressionismo cambiò completamente il contesto tematico della pittura: invece di rappresentare scene rigide e prive di vita, si concentrò sul colore, sull'emozione e sull'energia degli oggetti sulla tela. E fu proprio Impression, Sunrise a dare il via alle danze.

Guernica

Riproduzione di Guernica con tessere di mosaico

Guernica è spesso considerato il dipinto più famoso di Pablo Picasso e probabilmente una delle sue opere d'arte più dolorose dal punto di vista personale. È ampiamente considerato come una delle più grandi dichiarazioni artistiche contro la guerra che siano mai state scritte su una tela.

Picasso fu sconvolto dal bombardamento casuale di Guernica, una cittadina dei Paesi Baschi nel nord della Spagna, da parte delle forze naziste con la collaborazione dei nazionalisti spagnoli e dell'Italia fascista. Dipinse immediatamente Guernica come reazione al bombardamento.

Il dipinto è ovviamente un'opera politica e ha portato l'attenzione mondiale sugli eventi che si stavano svolgendo in Spagna. Oggi, una grande copia di Guernica su arazzo è appesa nella sede delle Nazioni Unite a New York, proprio all'ingresso della sala del Consiglio di Sicurezza.

Anche se non del tutto confermato, alcuni diplomatici affermano che il dipinto è stato coperto durante l'annuncio dell'amministrazione Bush sulle motivazioni e le argomentazioni della guerra contro l'Iraq, in modo che il dipinto con il suo messaggio contro la guerra non fosse visibile sullo sfondo.

Guernica si trova a Madrid, dove è stata esposta per decenni, e si dice che abbia un valore di circa 200 milioni di dollari.

La grande onda al largo di Kanagawa

La grande onda al largo di Kanagawa di Katushika Hokusai. Pubblico dominio.

La grande onda al largo di Kanagawa è una stampa su blocco di legno del XIX secolo dell'artista giapponese Hokusai. La stampa raffigura un'onda gigantesca che minaccia tre piccole imbarcazioni al largo della costa vicino al monte Fiji, raffigurato sullo sfondo.

Alcuni storici dell'arte ritengono che il dipinto rappresenti uno tsunami, una forza della natura molto temuta nella cultura giapponese, ma altri sostengono che non sia questo il messaggio del quadro, che è comunque considerato uno dei più grandi, se non il più grande, contributo artistico del Giappone all'umanità.

La Grande Onda di Kanagawa è diventata anche parte della cultura pop e ha una sua emoji!

Il quadrato nero

Il quadrato nero di Kazimir Malevich. Pubblico dominio.

Il Quadrato nero è un dipinto di Kazimir Malevich, amato e disprezzato al tempo stesso nel mondo dell'arte, che raffigura un singolo quadrato nero su tela. L'opera è stata esposta all'Ultima mostra futurista del 1915. Naturalmente, il dipinto di un quadrato nero ha causato molta confusione nel mondo dell'arte.

Malevich ha commentato che il suo quadrato nero è un commento sullo zero, il nulla da cui tutto ha inizio e il nulla da cui emerge la creazione, raffigurando la non-oggettività e il vuoto bianco di un nulla liberato.

Oggi il dipinto ha iniziato a presentare delle crepe, mostrando i colori che attraversano le fessure. L'analisi ai raggi X ha rivelato che c'è un'immagine sottostante che si trova sotto il quadrato nero.

Il bacio

Il bacio di Gustav Klimt. Pubblico dominio.

Il Bacio è un famoso dipinto del pittore simbolista austriaco Gustav Klimt e una delle opere d'arte più riconoscibili al mondo. Questo olio su tela è forse una delle più grandi rappresentazioni dell'amore nella storia della pittura, in quanto ritrae una coppia che si stringe in un profondo abbraccio. Ha segnato la fine del periodo d'oro di Klimt, che ha visto l'inserimento della foglia d'oro nelle sue opere d'arte.

Le emozioni contrastanti che il dipinto mostra sono parte di ciò che ha contribuito al suo fascino duraturo, in quanto l'espressione facciale della donna implica abbandono, ma anche delizia, tranquillità ed estasi. Le vesti dell'uomo, caratterizzate da blocchi geometrici in nero e grigio, implicano il suo potere e la forza maschile dominante, mentre le volute più morbide della donna e il vestito a motivi floreali sottolineano la sua femminilità,fragilità e morbidezza.

Il dipinto divenne fonte di ispirazione nel periodo dell'Art Nouveau e ancora oggi è considerato un capolavoro, soprattutto per la sua influenza sullo sviluppo dell'arte, della moda e del design.

L'ultima cena

Ultima cena di Leonardo da Vinci. PD.

L'Ultima Cena è un capolavoro murale del periodo dell'Alto Rinascimento di Leonardo da Vinci, ritrovato a Milano. Questo murale del 15° secolo raffigura l'ultima cena di Gesù e dei suoi 12 discepoli. Sebbene il dipinto si trovi su una parete, non si tratta di un affresco: al contrario, da Vinci ha utilizzato una tecnica innovativa utilizzando colori a tempera sulla pietra del muro.

La prospettiva del dipinto è parte di ciò che lo rende così affascinante. Da Vinci avrebbe legato un pezzo di spago a un chiodo piantato al centro della parete per creare le linee di profondità di campo. Questo gli ha permesso di stabilire una prospettiva unica, con Gesù come punto di fuga.

Come per molti dei suoi dipinti, anche per l'Ultima Cena da Vinci ebbe difficoltà a rappresentare il volto malvagio di Giuda. Voleva concentrarsi sul momento in cui Gesù rivela che uno dei suoi discepoli lo avrebbe tradito e sulle reazioni scioccate che seguirono a questa dichiarazione. Da Vinci passò anni a lavorare sull'opera per raggiungere la perfezione.

Girasoli

Girasoli di Vincent van Gogh. PD.

I girasoli sono un'altra opera di genio del pittore olandese Vincent van Gogh, che nel 1887 lavorò a una serie di dipinti di girasoli. Il suo dipinto più notevole raffigura la disposizione di un bouquet di girasoli mentre siedono pigramente in un vaso.

Come per la maggior parte dei suoi dipinti, la storia dei Girasoli è piuttosto oscura. Van Gogh li dipinse per impressionare il suo collega Gaugin, che era in visita. Van Gogh arrivò a realizzare un'intera serie di dipinti di girasoli, raffigurandoli in tutti gli stadi della vita, dalla prima fioritura fino all'appassimento e al marciume. Questa è forse la serie di dipinti più nota di Van Gogh ed è stata considerata come un'opera di grande valore.innovativi per l'uso dello spettro di tonalità gialle, reso possibile da pigmenti di recente invenzione.

La serie dei Girasoli non risolse il rapporto teso tra Gaugin e Van Gogh, e le loro aspre polemiche portarono al crollo di Van Gogh e al tragico atto di automutilazione con il taglio del proprio orecchio.

Gotico americano

Il gotico americano di Grant Wood. PD.

American Gothic è un dipinto realizzato dal pittore americano Grant Wood nel 1930, che raffigura una casa gotica americana e le persone che Grant immaginava vivessero in tali case.

Wood raffigura nel suo dipinto due figure: un contadino, che impugna un forcone affilato, e sua figlia (spesso scambiata per la moglie). Le figure sono molto appariscenti e serie nell'aspetto e vestite secondo i tempi, con la figlia che indossa abiti dell'America rurale del XX secolo.

Durante la Grande Depressione, le figure vennero a rappresentare il forte e perseverante spirito pionieristico americano. Ci sono state anche molte altre interpretazioni del dipinto: alcuni studiosi suggeriscono che raffiguri le divinità romane Plutone e Proserpina (l'equivalente greco di Ade e Persefone), mentre altri ipotizzano che raffiguri i genitori dello stesso Wood.

Composizione 8

Composizione 8 di Wassily Kandinsky è un dipinto a olio su tela del 1923 che raffigura una disposizione di cerchi, linee, triangoli e forme geometriche diverse su uno sfondo color crema che si fonde con regioni di colore azzurro. È considerato un'ode a un linguaggio estetico universale che ha ispirato Kandinsky a sviluppare il proprio stile.

La Composizione 8 parla di forme semplici ed eleva lo stile astratto d'avanguardia di Kandinsky, considerato dallo stesso pittore uno dei suoi risultati più alti,

Il soffitto della Cappella Sistina

Il soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo

La volta della Cappella Sistina dipinta da Michelangelo è uno dei più grandi capolavori e un apice dell'arte dell'Alto Rinascimento. L'opera fu commissionata da Papa Giulio II e fu dipinta tra il 1508 e il 1512.

Il soffitto è decorato con diverse scene tratte dal Libro della Genesi e con raffigurazioni di vari papi. È noto per l'abilità di Michelangelo nel rappresentare figure umane in diverse pose e per la sua scelta di utilizzare figure nude, che ha avuto un'eco negli sviluppi successivi in cui la nudità in pittura è stata utilizzata come strumento di trasmissione di emozioni.

La Cappella Sistina è uno dei siti turistici più popolari del Vaticano e attira ogni anno una folla di turisti. Tuttavia, è vietato fotografare il soffitto perché i flash delle macchine fotografiche possono danneggiare le opere d'arte.

La persistenza della memoria

La persistenza della memoria di Salvador Dalì. PD.

La persistenza della memoria è un dipinto del 1931 di Salvador Dalì che è diventato una delle opere più note del surrealismo. Il dipinto è talvolta indicato come "Orologi che si sciolgono" o "Orologi che si sciolgono".

L'opera presenta una scena surreale, con diversi orologi raffigurati in vari stadi di fusione. Dalì commenta la relatività dello spazio e del tempo, raffigurando gli orologi che si sciolgono e si ammorbidiscono nel dipinto. Al centro dell'immagine c'è una strana creatura simile a un mostro, spesso utilizzata da Dalì come forma di autoritratto. Se si osserva attentamente, si possono vedere le ciglia, il naso, l'occhio e forse la lingua diL'orologio arancione nell'angolo sinistro è coperto di formiche, un simbolo spesso usato da Dalì per rappresentare la decadenza.

Conclusione

L'elenco di dipinti sopra riportato è composto da capolavori artistici di ineguagliabile genialità e creatività. Sebbene alcuni siano stati criticati e disprezzati da altri, tutti hanno sfidato i dogmi del loro tempo. Sono stati innovativi, mostrando emozioni umane e sentimenti e pensieri complessi. Soprattutto, sono ancora attuali. Qual è il vostro preferito?