Depuis que les premiers humains ont décidé de représenter leur environnement d'une manière ou d'une autre, le monde du dessin et de la peinture n'a cessé de se développer en d'innombrables mouvements et formes d'expression. L'évolution constante de notre façon d'utiliser les lignes et les couleurs a créé des bouleversements dans le monde de l'art.

Beaucoup de choses ont été produites depuis les premières empreintes de mains laissées dans les grottes. Cependant, parmi toutes les myriades de peintures, certaines se distinguent comme des chefs-d'œuvre à travers les âges. Voici un aperçu de certaines des peintures les plus célèbres du monde et des raisons pour lesquelles elles sont considérées comme grandes.

Mona Lisa

La Joconde de Léonard de Vinci est sans doute le tableau le plus connu au monde. Ce chef-d'œuvre de la Renaissance est considéré comme l'un des sommets de l'art. Il est certainement difficile de trouver un autre tableau qui ait fait l'objet d'autant de recherches, d'écrits, de débats, de visites et d'admiration que la Joconde.

Connue pour son réalisme, ses traits énigmatiques et l'expression du visage d'une femme qui a enchanté des milliards de personnes dans le monde entier avec son célèbre sourire, la Joconde séduit par son regard à la fois perçant et doux. La pose de trois quarts du sujet était une nouveauté à l'époque.

Le tableau est censé représenter Lisa Gherardini, une noble italienne dont le portrait a été commandé par son mari Francesco del Giocondo. Mais, comme vous le savez peut-être, l'histoire du tableau de Mona Lisa a connu de nombreux rebondissements et n'a jamais appartenu au commanditaire du tableau, Francesco del Gioconda.

On pensait que le tableau avait été achevé en 1506, mais Vinci n'a jamais vraiment cessé d'y travailler. Actuellement, la Joconde appartient à la République française et est fièrement exposée au musée du Louvre à Paris depuis 1797. Cependant, bien qu'il s'agisse d'une grande œuvre d'art, les historiens de l'art s'accordent à dire qu'elle n'est pas supérieure aux autres œuvres de Vinci. Sa célébrité durable a été favorisée par les éléments suivantsson histoire unique et les rebondissements qu'elle a connus au fil des ans.

La fille à la boucle d'oreille de perle

La jeune fille à la perle de Johannes Vermeer est un célèbre chef-d'œuvre hollandais peint à l'huile. Achevé en 1665, ce tableau a depuis lors captivé la curiosité de millions de personnes par sa simplicité, la délicatesse de sa lumière et la représentation d'un autre personnage énigmatique.

La Fille à la boucle d'oreille en perle représente une jeune fille européenne portant un foulard, un vêtement exotique qui n'était pas porté aux Pays-Bas à l'époque de la réalisation de cette œuvre. Le regard timide mais perçant de la jeune fille vers le spectateur détourne à peine l'attention de son unique boucle d'oreille en forme de poire qui orne les traits de son visage.

Il s'agit de l'œuvre d'art la plus célèbre de Vermeer, et le véritable degré de maîtrise de son travail n'a été visible qu'après de méticuleuses restaurations en 1994, lorsque de nouvelles couches de couleurs et de tons ont été révélées. La Fille à la boucle d'oreille de perle a mérité à juste titre sa place sur le piédestal des plus grandes œuvres d'art de l'humanité. En 2014, le tableau a été mis à l'honneur. a été vendu aux enchères pour plus de 10 millions de dollars .

Les boîtes de soupe Campbell

Les boîtes de soupe Campbell par Andy Warhol.

Campbell's Soup Cans d'Andy Warhol est une œuvre d'art produite en 1962 représentant une série de toiles exposant des soupes de tomates en conserve de la société Campbell's.

L'œuvre elle-même est composée de 32 petites toiles qui constituent l'ensemble de la pièce. Peu de temps après sa révélation au public, elle a provoqué une onde de choc dans tout le monde de l'art et a ouvert les portes du pop art et du design industriel sur la scène artistique.

La signification des boîtes de soupe Campbell n'existe apparemment pas, mais Andy Warhol s'est servi de cette pièce pour montrer son appréciation de la culture ordinaire et de la modernité, souvent ignorées dans l'art. Warhol a délibérément choisi de ne pas imprégner l'œuvre d'un commentaire émotionnel ou social. Les boîtes ont été qualifiées d'offense à l'art, mais elles ont aussi été louées comme étant à l'origine de l'ère de l'art.le pop art et le design industriel.

La nuit étoilée

La nuit étoilée de Vincent van Gogh a été peinte en 1889 et représente une vue imprenable depuis la fenêtre d'une chambre d'asile, juste avant le lever du soleil.

Van Gogh utilise une palette de couleurs artificielles et des coups de pinceau courts, qui donnent au tableau un aspect éthéré, d'un autre monde, qui captive le spectateur. L'accent est également mis sur la luminescence. La dynamique fluide du tableau, représentée par les tourbillons turbulents, ajoute du mouvement et transmet une émotion.

La Nuit étoilée capture les émotions brutes, en spirale et palpitantes de Vincent van Gogh, un artiste du 19e siècle troublant et troublé. Le tableau représente une scène sereine et tranquille, mais le contexte de sa création n'a rien à voir avec cela. Van Gogh a réalisé ce tableau dans un asile après s'être mutilé l'oreille gauche à la suite d'une dépression nerveuse.

Il est intéressant de noter que Van Gogh a toujours considéré sa nuit étoilée comme un échec artistique, sans savoir qu'elle deviendrait un jour l'une des œuvres d'art les plus vénérées de l'histoire de l'humanité. Aujourd'hui, le tableau vaut bien plus de 100 millions de dollars.

Impression, Lever de soleil

Impression, Lever de soleil par Monet. Domaine public.

Impression, soleil levant a été peint en 1872 par Claude Monet. Il a immédiatement ouvert une nouvelle ère de la peinture. Pour une œuvre aussi monumentale, elle représente des eaux paresseuses et un paysage industriel en arrière-plan brumeux, et des pêcheurs dans leurs bateaux avec le soleil rougeoyant qui domine la scène lorsqu'il s'élève au-dessus de l'horizon.

Le tableau a reçu tout sauf des éloges et a été brutalement dénoncé par la plupart des artistes de l'époque qui le considéraient comme immature et amateur. Les critiques de l'époque ont même utilisé le nom du tableau pour étiqueter un groupe d'artistes qui peignaient dans un style similaire, leur donnant ainsi à eux et à leur nouveau mouvement le nom célèbre : Impressionnisme .

Monet dira plus tard à propos de ce tableau : "Un paysage n'est qu'une impression, instantanée, d'où l'étiquette qu'on nous a donnée - tout ça à cause de moi, d'ailleurs. J'avais présenté quelque chose fait de ma fenêtre au Havre, du soleil dans la brume avec quelques mâts au premier plan qui se détachent des bateaux en dessous. Ils voulaient un titre pour le catalogue ; ça ne pouvait pas vraiment passer pour une vue du Havre, alors j'ai...".a répondu : "Mettez Impression." De cela, ils ont obtenu l'impressionnisme, et les blagues ont proliféré...."

L'impressionnisme a complètement changé le contexte thématique de la peinture. Au lieu de dépeindre des scènes rigides et sans vie, il s'est concentré sur la couleur, l'émotion et l'énergie des objets sur la toile. Et c'est Impression, soleil levant qui a ouvert le bal.

Guernica

Reproduction de Guernica avec des carreaux de mosaïque

Guernica est souvent considéré comme le tableau le plus célèbre de Pablo Picasso et probablement l'une de ses œuvres d'art les plus douloureuses sur le plan personnel. Il est largement considéré comme l'une des plus grandes déclarations artistiques anti-guerre jamais couchées sur une toile.

Consterné par le bombardement fortuit de Guernica, une petite ville du Pays basque au nord de l'Espagne, par les forces nazies avec la collaboration des nationalistes espagnols et de l'Italie fasciste, Picasso a immédiatement peint Guernica en réaction à ce bombardement.

Le tableau est évidemment une œuvre politique et il a attiré l'attention du monde entier sur les événements qui se déroulaient en Espagne. Aujourd'hui, une grande copie en tapisserie de Guernica est accrochée au siège des Nations unies à New York, juste à l'entrée de la salle du Conseil de sécurité.

Bien que cela ne soit pas totalement confirmé, certains diplomates affirment que le tableau a été recouvert lors de l'annonce par l'administration Bush de ses motifs et arguments en faveur de la guerre contre l'Irak, afin que le tableau avec son message anti-guerre ne soit pas visible en arrière-plan.

Le Guernica se trouve à Madrid, où il est exposé depuis des décennies, et sa valeur est estimée à environ 200 millions de dollars.

La grande vague au large de Kanagawa

La grande vague au large de Kanagawa par Katushika Hokusai. Domaine public.

La grande vague au large de Kanagawa est une gravure sur bois du 19e siècle réalisée par l'artiste japonais Hokusai. La gravure représente une vague gigantesque qui menace trois petits bateaux au large de la côte, près du mont Fidji que l'on voit en arrière-plan.

Certains historiens de l'art pensent que la peinture représente un tsunami, une force de la nature assez redoutée dans la culture japonaise, mais d'autres affirment que ce n'est pas le message de la peinture. La peinture est toujours considérée comme l'une des plus grandes, sinon la plus grande, contribution artistique du Japon à l'humanité.

La Grande Vague de Kanagawa est également devenue une partie de la culture pop, et a son propre emoji !

Le carré noir

Le carré noir par Kazimir Malevich. Domaine public.

Le Carré noir est un tableau de Kazimir Malevitch, à la fois aimé et méprisé dans le monde de l'art. Il représente un seul carré noir sur la toile. L'œuvre a été présentée à la dernière exposition futuriste en 1915. Naturellement, la peinture d'un carré noir a suscité une grande confusion dans le monde de l'art.

Malevitch a déclaré que son carré noir est un commentaire sur le zéro, le néant d'où tout commence, et le néant d'où émerge la création, illustrant la non-objectivité et le vide blanc d'un rien libéré.

Aujourd'hui, la peinture a commencé à présenter des fissures, laissant apparaître des couleurs à travers les craquelures. L'analyse aux rayons X a révélé qu'une image sous-jacente se trouve sous le carré noir.

Le baiser

Le baiser par Gustav Klimt. Domaine public.

Le Baiser est un célèbre tableau du peintre symboliste autrichien Gustav Klimt et l'une des œuvres d'art les plus reconnaissables au monde. Cette huile sur toile est peut-être l'une des plus grandes représentations de l'amour dans l'histoire de la peinture, représentant un couple se tenant dans une profonde étreinte. Elle a marqué la fin de la période dorée de Klimt, qui a vu l'inclusion de feuilles d'or dans ses œuvres d'art.

L'expression du visage de la femme implique l'abandon, mais aussi le plaisir, la tranquillité et l'extase. La robe de l'homme, composée de blocs géométriques noirs et gris, évoque son pouvoir et la force masculine dominante, tandis que les tourbillons plus doux et la robe à motifs floraux de la femme soulignent sa féminité,la fragilité et la douceur.

Ce tableau est devenu une source d'inspiration pour la période de l'Art nouveau et, à ce jour, il est considéré comme un chef-d'œuvre, notamment en raison de son influence sur le développement de l'art, de la mode et du design.

La Cène

La Cène de Leonardo da Vinci. PD.

La Cène est un chef-d'œuvre mural de la Haute Renaissance réalisé par Léonard de Vinci et découvert à Milan. Cette peinture murale du 15e siècle représente le dernier repas de Jésus et de ses 12 disciples. Bien que la peinture se trouve sur un mur, il ne s'agit pas d'une fresque, mais d'une nouvelle technique innovante utilisée par Léonard de Vinci pour peindre à la détrempe sur la pierre du mur.

La perspective du tableau fait partie de ce qui le rend si attrayant. De Vinci aurait attaché un morceau de ficelle à un clou enfoncé au centre du mur pour créer les lignes de profondeur de champ. Cela lui a permis d'établir une perspective unique, avec Jésus comme point de fuite.

Comme pour nombre de ses tableaux, de Vinci a eu du mal à réaliser la Cène, car il aurait eu du mal à représenter le visage maléfique de Judas. Il voulait se concentrer sur le moment où Jésus révèle que l'un de ses disciples va le trahir, et sur les réactions choquées qui suivent cette déclaration. De Vinci a passé des années à travailler sur cette œuvre pour atteindre la perfection.

Tournesols

Tournesols par Vincent van Gogh. PD.

Les tournesols sont une autre œuvre de génie du peintre néerlandais Vincent van Gogh, qui a travaillé sur une série de tableaux de tournesols en 1887. Son tableau le plus remarquable représente un bouquet de tournesols posés paresseusement dans un vase.

Comme pour la plupart de ses autres tableaux, l'histoire des Tournesols est plutôt sombre. Van Gogh les a peints pour impressionner son collègue Gaugin, qui était en visite. Van Gogh est allé jusqu'à réaliser toute une série de tableaux de tournesols, les représentant à tous les stades de leur vie, des premières fleurs aux fleurs fanées et pourries. C'est peut-être la série de tableaux la plus connue de Van Gogh, qui était considérée comme une des plus grandes réussites de l'histoire de la peinture.révolutionnaires en raison de leur utilisation du spectre des teintes jaunes, rendue possible par des pigments récemment inventés.

La série des Tournesols n'a pas permis de résoudre la relation tendue entre Gaugin et Van Gogh, et leur brouille amère a conduit Van Gogh à la dépression et à l'acte tragique d'automutilation en se coupant l'oreille.

Gothique américain

American Gothic par Grant Wood. PD.

American Gothic est une peinture réalisée par le peintre américain Grant Wood en 1930, qui représente une maison gothique américaine et les personnes que Grant imaginait vivre dans de telles maisons.

Wood représente deux personnages dans sa peinture - un fermier, tenant une fourche pointue, et sa fille (souvent considérée à tort comme sa femme). Les personnages ont une apparence très frappante et sérieuse et sont habillés selon l'époque, la fille portant des vêtements de l'Amérique rurale du XXe siècle.

Pendant la Grande Dépression, les personnages en sont venus à représenter l'esprit persévérant et fort des pionniers américains. Il y a également eu de nombreuses autres interprétations de la peinture, certains spécialistes suggérant qu'elle représente les divinités romaines Pluton et Proserpina (équivalent grec d'Hadès et Perséphone), tandis que d'autres spéculent qu'elle représente les propres parents de Wood.

Composition 8

Composition 8 de Wassily Kandinsky est une peinture à l'huile sur toile datant de 1923. Elle représente un arrangement de cercles, de lignes, de triangles et de différentes formes géométriques sur un fond crème se fondant dans des régions bleu clair. Elle est considérée comme une ode à un langage esthétique universel qui a inspiré Kandinsky à développer son propre style.

La composition 8 parle de formes simples et élève le style abstrait d'avant-garde de Kandinsky. Le peintre lui-même la considérait comme l'une de ses plus grandes réalisations,

Le plafond de la chapelle Sixtine

Plafond de la chapelle Sixtine par Michel-Ange

Le plafond de la chapelle Sixtine peint par Michel-Ange est l'un des plus grands chefs-d'œuvre et un sommet de l'art de la Haute Renaissance. L'œuvre a été commandée par le pape Jules II et a été peinte entre 1508 et 1512.

Le plafond est décoré de plusieurs scènes du livre de la Genèse ainsi que de représentations de différents papes. Il est connu pour avoir montré l'habileté de Michel-Ange à représenter des figures humaines dans différentes poses et son choix d'utiliser des figures nues. Cela a fait écho aux développements ultérieurs où la nudité dans la peinture était utilisée comme un outil de transmission d'émotions.

La chapelle Sixtine est l'un des sites touristiques les plus populaires du Vatican et attire chaque année des foules de touristes. Il est toutefois interdit de prendre des photos du plafond, car les flashs des appareils photo peuvent nuire aux œuvres d'art.

La persistance de la mémoire

La persistance de la mémoire par Salvador Dali. PD.

La persistance de la mémoire est un tableau de Salvador Dali datant de 1931, qui est devenu l'une des œuvres les plus connues du surréalisme. Le tableau est parfois appelé "Les horloges qui fondent" ou "Les montres qui fondent".

L'œuvre présente une scène surréaliste, avec plusieurs horloges représentées à différents stades de fusion. Dali commente la relativité de l'espace et du temps, en représentant les montres molles qui fondent dans le tableau. Au centre de l'image se trouve une étrange créature ressemblant à un monstre, souvent utilisée par Dali comme une forme d'autoportrait. Si vous regardez attentivement, vous pouvez voir les cils, le nez, l'œil et peut-être la langue de la créature.la créature. L'horloge orange dans le coin gauche est couverte de fourmis, un symbole souvent utilisé par Dali pour représenter la décadence.

Conclusion

La liste de peintures ci-dessus est constituée de chefs-d'œuvre artistiques d'un génie et d'une créativité inégalés. Si certains ont été injuriés et critiqués par d'autres, tous ont remis en question les dogmes de leur époque. Ils étaient novateurs, mettant en scène des émotions humaines, des sentiments et des pensées complexes. Plus important encore, ils sont toujours d'actualité. Lequel est votre préféré ?