Από τότε που οι πρώτοι άνθρωποι αποφάσισαν να αρχίσουν να απεικονίζουν το περιβάλλον τους με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, ο κόσμος του σχεδίου και της ζωγραφικής δεν σταμάτησε ποτέ να εξελίσσεται σε αμέτρητα κινήματα και μορφές έκφρασης. Η συνεχής εξέλιξη του τρόπου με τον οποίο χρησιμοποιούμε τις γραμμές και το χρώμα δημιούργησε παλιρροϊκές αλλαγές στον κόσμο της τέχνης.

Πολλά έχουν παραχθεί από τα πρώτα αποτυπώματα χεριών που έμειναν σε σπήλαια. Ωστόσο, από όλες τις μυριάδες των πινάκων ζωγραφικής, κάποιοι ξεχωρίζουν ως αριστουργήματα μέσα στους αιώνες. Ακολουθεί μια ματιά σε μερικούς από τους πιο διάσημους πίνακες ζωγραφικής στον κόσμο και γιατί θεωρούνται σπουδαίοι.

Μόνα Λίζα

Η Μόνα Λίζα του Λεονάρντο ντα Βίντσι είναι ίσως ο πιο γνωστός πίνακας στον κόσμο. Αυτό το αναγεννησιακό αριστούργημα θεωρείται ένα από τα κορυφαία έργα τέχνης. Είναι σίγουρα δύσκολο να βρει κανείς άλλον πίνακα που να έχει ερευνηθεί, γραφτεί, συζητηθεί, επισκεφθεί και αγαπηθεί τόσο πολύ όσο η Μόνα Λίζα.

Γνωστή για τον ρεαλισμό, τα αινιγματικά χαρακτηριστικά και την έκφραση του προσώπου μιας γυναίκας που έχει μαγέψει δισεκατομμύρια ανθρώπους σε όλο τον κόσμο με το διάσημο χαμόγελό της, η Μόνα Λίζα γοητεύει με το διαπεραστικό αλλά και απαλό βλέμμα της. Η πόζα τριών τετάρτων του θέματος ήταν καινοφανής εκείνη την εποχή.

Ο ίδιος ο πίνακας υποτίθεται ότι απεικονίζει τη Λίζα Γκεραρντίνι, μια ιταλίδα ευγενή, το πορτρέτο της οποίας είχε παραγγείλει ο σύζυγός της Φραντσέσκο ντελ Τζιοκόντο. Αλλά, όπως ίσως γνωρίζετε, η ιστορία του πίνακα της Μόνα Λίζα πέρασε από πολλές ανατροπές και δεν κατέληξε ποτέ να ανήκει στον παραγγελιοδόχο του πίνακα Φραντσέσκο ντελ Τζιοκόντα.

Πιστεύεται ότι ο πίνακας τελείωσε το 1506, αλλά ο ντα Βίντσι δεν σταμάτησε ποτέ πραγματικά να εργάζεται πάνω του. Σήμερα, η Μόνα Λίζα ανήκει στη Γαλλική Δημοκρατία και εκτίθεται περήφανα στο Μουσείο του Λούβρου στο Παρίσι από το 1797. Ωστόσο, ενώ πρόκειται για ένα σπουδαίο έργο τέχνης, οι ιστορικοί τέχνης συμφωνούν ότι δεν είναι ανώτερη από τα άλλα έργα του ντα Βίντσι. Η διαρκή φήμη της έχει βοηθηθεί από τηνμοναδική ιστορία και τις ανατροπές που είχε στο πέρασμα των χρόνων.

Το κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι

Το Κορίτσι με το Μαργαριταρένιο Σκουλαρίκι του Johannes Vermeer είναι ένα διάσημο ολλανδικό αριστούργημα ελαιογραφίας. Ο πίνακας ολοκληρώθηκε το 1665 και έκτοτε έχει κεντρίσει την περιέργεια εκατομμυρίων ανθρώπων με την απλότητα, το λεπτό χαρακτηριστικό του φωτός και την απεικόνιση ενός ακόμη αινιγματικού χαρακτήρα.

Το Κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι απεικονίζει μια Ευρωπαία κοπέλα που φοράει μαντήλι στο κεφάλι, ένα εξωτικό ρούχο που δεν φοριέται στις Κάτω Χώρες την εποχή της δημιουργίας αυτού του έργου. Το ντροπαλό αλλά διαπεραστικό βλέμμα της κοπέλας προς τον θεατή μόλις και μετά βίας αφαιρεί την προσοχή από το μοναδικό λαμπερό σκουλαρίκι σε σχήμα αχλαδιού που κοσμεί τα χαρακτηριστικά του προσώπου της.

Πρόκειται για το πιο διάσημο έργο τέχνης του Βερμέερ και ο πραγματικός βαθμός της αριστουργηματικής δουλειάς του έγινε ορατός μόνο μετά από σχολαστικές αποκαταστάσεις το 1994, όταν αποκαλύφθηκαν νέα στρώματα χρώματος και τόνου. Το Κορίτσι με το Μαργαριταρένιο Σκουλαρίκι έχει κερδίσει δικαιωματικά τη θέση του στο βάθρο των μεγαλύτερων έργων τέχνης της ανθρωπότητας. Το 2014, ο πίνακας δημοπρατήθηκε για πάνω από 10 εκατομμύρια δολάρια .

Κουτιά σούπας Campbell's

Campbell's Soup Cans του Andy Warhol.

Το Campbell's Soup Cans του Andy Warhol είναι ένα έργο τέχνης που δημιουργήθηκε το 1962 και αποτελεί μια σειρά από καμβάδες που απεικονίζουν κονσερβοποιημένες ντοματόσουπες της εταιρείας Campbell's.

Το ίδιο το έργο αποτελείται από 32 μικρούς καμβάδες που συνθέτουν ολόκληρο το έργο. Λίγο καιρό αφότου αποκαλύφθηκε στο κοινό, προκάλεσε σοκ σε ολόκληρο τον κόσμο της τέχνης και άνοιξε τις πόρτες της ποπ αρτ και του βιομηχανικού σχεδιασμού στη σκηνή της τέχνης.

Το νόημα πίσω από τις κονσέρβες σούπας Campbell φαινομενικά δεν υπάρχει, ωστόσο ο Άντι Γουόρχολ χρησιμοποίησε αυτό το έργο για να δείξει την εκτίμησή του για την συνηθισμένη κουλτούρα και τη νεωτερικότητα που συχνά αγνοείται στην τέχνη.ο Γουόρχολ επέλεξε σκόπιμα να μην εμπλουτίσει το έργο με οποιαδήποτε απεικόνιση συναισθηματικού ή κοινωνικού σχολιασμού. Οι κονσέρβες έχουν χαρακτηριστεί ως προσβολή της τέχνης, αλλά έχουν επίσης επαινεθεί ως οι φορείς της εποχής τηςpop art και βιομηχανικό σχεδιασμό.

Η έναστρος νύχτα

Ο πίνακας The Starry Night του Βίνσεντ βαν Γκογκ ζωγραφίστηκε το 1889 και απεικονίζει μια εκπληκτική θέα όπως φαίνεται από το παράθυρο ενός δωματίου ασύλου λίγο πριν από την ανατολή του ήλιου. Ο πίνακας είναι μια κάπως ρομαντική και στυλιζαρισμένη αναπαράσταση της θέας που βίωσε ο Βίνσεντ βαν Γκογκ.

Ο Βαν Γκογκ χρησιμοποιεί μια τεχνητή χρωματική παλέτα με μικρές πινελιές, οι οποίες δίνουν στον πίνακα μια αιθέρια, απόκοσμη όψη, που αιχμαλωτίζει τον θεατή. Υπάρχει επίσης μεγάλη έμφαση στη λάμψη. Η ρευστή δυναμική του πίνακα, που απεικονίζεται μέσα από τους στροβιλώδεις στροβιλισμούς, προσθέτει κίνηση και μεταδίδει συναίσθημα.

Το έργο Starry Night αποτυπώνει τα ωμά, σπειροειδή, παλλόμενα συναισθήματα του Βίνσεντ βαν Γκογκ, ενός προβληματικού και ταραγμένου καλλιτέχνη του 19ου αιώνα. Ο πίνακας απεικονίζει μια γαλήνια ήρεμη σκηνή, αλλά το πλαίσιο της δημιουργίας του δεν είναι καθόλου τέτοιο. Ο βαν Γκογκ φιλοτέχνησε τον πίνακα σε ένα άσυλο, αφού ακρωτηρίασε το αριστερό του αυτί ως αποτέλεσμα μιας ψυχικής κατάρρευσης.

Είναι ενδιαφέρον ότι ο Βαν Γκογκ θεωρούσε πάντα την αστρική νύχτα ως καλλιτεχνική αποτυχία, χωρίς να γνωρίζει ότι μια μέρα θα γινόταν ένα από τα πιο σεβαστά έργα τέχνης στην ιστορία της ανθρωπότητας. Σήμερα ο πίνακας αξίζει πάνω από 100 εκατομμύρια δολάρια.

Εντύπωση, Ανατολή

Impression, Sunrise by Monet. Public Domain.

Το έργο Impression, Sunrise ζωγραφίστηκε το 1872 από τον Claude Monet. Ξεκίνησε αμέσως μια νέα εποχή στη ζωγραφική. Για ένα τόσο μνημειώδες έργο, απεικονίζει νωχελικά νερά και ένα βιομηχανικό τοπίο στο ομιχλώδες φόντο, και ψαράδες στις βάρκες τους με τον πυρακτωμένο κόκκινο ήλιο να δεσπόζει πάνω από τη σκηνή καθώς ανατέλλει πάνω από τον ορίζοντα.

Ο πίνακας απέσπασε κάθε άλλο παρά επαίνους και καταδικάστηκε βάναυσα από τους περισσότερους καλλιτέχνες της εποχής που τον θεωρούσαν ανώριμο και ερασιτεχνικό. Οι κριτικοί της εποχής χρησιμοποίησαν μάλιστα το όνομα του πίνακα για να χαρακτηρίσουν μια ομάδα καλλιτεχνών που ζωγράφιζαν με παρόμοιο στυλ, δίνοντας σε αυτούς και στο νέο τους κίνημα το διάσημο όνομα: Ιμπρεσιονισμός .

Ο Μονέ θα έλεγε αργότερα για τον πίνακα: "Ένα τοπίο είναι μόνο μια εντύπωση, στιγμιαία, εξ ου και η ετικέτα που μας έδωσαν - όλα εξαιτίας μου, εδώ που τα λέμε. Είχα υποβάλει κάτι που είχε γίνει από το παράθυρό μου στη Χάβρη, ηλιακό φως στην ομίχλη με μερικά κατάρτια σε πρώτο πλάνο που προεξείχαν από τα πλοία από κάτω. Ήθελαν έναν τίτλο για τον κατάλογο- δεν θα μπορούσε να περάσει πραγματικά ως άποψη της Χάβρης, έτσι εγώαπάντησε: "Βάλτε κάτω το Impression." Από αυτό πήραν τον ιμπρεσιονισμό, και τα αστεία πολλαπλασιάστηκαν...."

Ο ιμπρεσιονισμός άλλαξε εντελώς το θεματικό πλαίσιο στη ζωγραφική. Αντί να απεικονίζει άκαμπτες και άψυχες σκηνές, επικεντρώθηκε στο χρώμα, το συναίσθημα και την ενέργεια των αντικειμένων στον καμβά. Και ήταν το Impression, Sunrise που έδωσε το έναυσμα.

Γκερνίκα

Αναπαραγωγή της Γκερνίκα με ψηφιδωτά πλακίδια

Η Γκουέρνικα θεωρείται συχνά ο πιο διάσημος πίνακας του Πάμπλο Πικάσο και είναι ίσως ένα από τα πιο προσωπικά οδυνηρά έργα τέχνης του. Θεωρείται ευρέως ως μία από τις μεγαλύτερες καλλιτεχνικές αντιπολεμικές δηλώσεις που έχουν ποτέ τοποθετηθεί σε καμβά.

Ο Πικάσο είχε τρομοκρατηθεί από τον τυχαίο βομβαρδισμό της Γκερνίκα, μιας μικρής πόλης στη χώρα των Βάσκων στη βόρεια Ισπανία, από τις ναζιστικές δυνάμεις σε συνεργασία με τους Ισπανούς εθνικιστές και τη φασιστική Ιταλία. Ζωγράφισε αμέσως τη Γκερνίκα ως αντίδραση στον βομβαρδισμό.

Ο πίνακας είναι προφανώς ένα πολιτικό έργο και έφερε την παγκόσμια προσοχή στα γεγονότα που εκτυλίσσονταν στην Ισπανία. Σήμερα, ένα μεγάλο ταπισερί αντίγραφο της Guernica κρέμεται στην έδρα των Ηνωμένων Εθνών στη Νέα Υόρκη, ακριβώς στην είσοδο της αίθουσας του Συμβουλίου Ασφαλείας.

Αν και δεν έχει επιβεβαιωθεί πλήρως, ορισμένοι διπλωμάτες δηλώνουν ότι ο πίνακας καλύφθηκε κατά τη διάρκεια της ανακοίνωσης της κυβέρνησης Μπους σχετικά με τα κίνητρα και τα επιχειρήματά της για τον πόλεμο κατά του Ιράκ, έτσι ώστε ο πίνακας με το αντιπολεμικό του μήνυμα να μη φαίνεται στο παρασκήνιο.

Η Γκερνίκα βρίσκεται στη Μαδρίτη, όπου εκτίθεται εδώ και δεκαετίες. Υποτίθεται ότι η αξία της ανέρχεται σε περίπου 200 εκατομμύρια δολάρια.

Το μεγάλο κύμα στα ανοικτά της Καναγκάουα

Το μεγάλο κύμα στα ανοικτά της Καναγκάουα του Katushika Hokusai. Κοινό κτήμα.

Το Μεγάλο κύμα στα ανοικτά της Καναγκάουα είναι ένα χαρακτικό του 19ου αιώνα σε ξυλογραφία του Ιάπωνα καλλιτέχνη Χοκουσάι. Το χαρακτικό απεικονίζει ένα γιγαντιαίο κύμα, που απειλεί τρεις μικρές βάρκες ακριβώς στα ανοικτά της ακτής κοντά στο όρος Φίτζι που φαίνεται στο φόντο.

Ορισμένοι ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι ο πίνακας αναπαριστά ένα τσουνάμι, μια αρκετά επίφοβη δύναμη της φύσης στην ιαπωνική κουλτούρα, αλλά άλλοι υποστηρίζουν ότι δεν είναι αυτό το μήνυμα του πίνακα. Ο πίνακας εξακολουθεί να θεωρείται μια από τις μεγαλύτερες, αν όχι η μεγαλύτερη, καλλιτεχνική συνεισφορά της Ιαπωνίας στην ανθρωπότητα.

Το Μεγάλο Κύμα της Καναγκάουα έχει επίσης γίνει μέρος της ποπ κουλτούρας και έχει το δικό του emoji!

Το μαύρο τετράγωνο

Το μαύρο τετράγωνο του Kazimir Malevich. Public Domain.

Το Μαύρο τετράγωνο είναι ένας πίνακας του Καζιμίρ Μάλεβιτς, που αγαπήθηκε και περιφρονήθηκε ταυτόχρονα στον κόσμο της τέχνης. Παρουσιάζει ένα μοναδικό μαύρο τετράγωνο σε καμβά. Το έργο παρουσιάστηκε στην τελευταία έκθεση φουτουριστών το 1915. Όπως ήταν φυσικό, η ζωγραφική ενός μαύρου τετραγώνου προκάλεσε μεγάλη σύγχυση στον κόσμο της τέχνης.

Ο Malevich σχολίασε ότι το μαύρο τετράγωνό του είναι ένα σχόλιο για το μηδέν, το τίποτα από το οποίο ξεκινούν τα πάντα, και το τίποτα από το οποίο αναδύεται η δημιουργία, απεικονίζοντας τη μη αντικειμενικότητα και το λευκό κενό ενός απελευθερωμένου τίποτα.

Σήμερα, ο πίνακας έχει αρχίσει να εμφανίζει ρωγμές, δείχνοντας χρώματα να βγαίνουν μέσα από τις ρωγμές. Η ανάλυση με ακτίνες Χ αποκάλυψε ότι υπάρχει μια υποκείμενη εικόνα που βρίσκεται κάτω από το μαύρο τετράγωνο.

Το φιλί

Το φιλί του Gustav Klimt. Public Domain.

Το Φιλί είναι ένας διάσημος πίνακας του Αυστριακού συμβολιστή ζωγράφου Gustav Klimt και ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα έργα τέχνης στον κόσμο. Αυτό το λάδι σε καμβά είναι ίσως μια από τις σπουδαιότερες αναπαραστάσεις αγάπης στην ιστορία της ζωγραφικής, απεικονίζοντας ένα ζευγάρι που κρατά ο ένας τον άλλον σε μια βαθιά αγκαλιά. Σηματοδότησε το τέλος της Χρυσής Περιόδου του Klimt, κατά την οποία συμπεριέλαβε φύλλα χρυσού στα έργα του.

Τα ανάμεικτα συναισθήματα που παρουσιάζονται στον πίνακα είναι μέρος αυτού που έχει συμβάλει στη διαρκή απήχησή του, καθώς η έκφραση του προσώπου της γυναίκας υποδηλώνει την εγκατάλειψη, αλλά και την απόλαυση, την ηρεμία και την έκσταση. Τα ρούχα του άνδρα, με γεωμετρικά μπλοκ σε μαύρο και γκρι χρώμα, υποδηλώνουν τη δύναμή του και την κυρίαρχη ανδρική δύναμη, ενώ οι πιο απαλές δίνες και το φόρεμα με μοτίβο λουλουδιών της γυναίκας τονίζουν τη θηλυκότητά της,ευθραυστότητα και απαλότητα.

Ο πίνακας αποτέλεσε πηγή έμπνευσης για την περίοδο Art Nouveau και μέχρι σήμερα θεωρείται αριστούργημα, ιδίως όσον αφορά την επιρροή του στην ανάπτυξη της τέχνης, της μόδας και του σχεδιασμού.

Ο Μυστικός Δείπνος

Μυστικός Δείπνος του Λεονάρντο ντα Βίντσι. PD.

Ο Μυστικός Δείπνος είναι μια αριστουργηματική τοιχογραφία της περιόδου της Υψηλής Αναγέννησης του Λεονάρντο ντα Βίντσι που βρέθηκε στο Μιλάνο. Αυτή η τοιχογραφία του 15ου αιώνα απεικονίζει το τελευταίο δείπνο του Ιησού και των 12 μαθητών του. Ενώ ο πίνακας βρίσκεται σε τοίχο, δεν πρόκειται για τοιχογραφία. Αντίθετα, ο ντα Βίντσι χρησιμοποίησε μια καινοτόμο νέα τεχνική χρησιμοποιώντας χρώματα τέμπερας πάνω στην πέτρα του τοίχου.

Η προοπτική του πίνακα είναι μέρος αυτού που τον κάνει τόσο ελκυστικό. Ο Ντα Βίντσι φέρεται να έδεσε ένα κομμάτι σπάγκου σε ένα καρφί σφυρηλατημένο στο κέντρο του τοίχου για να δημιουργήσει τις γραμμές βάθους πεδίου. Αυτό του επέτρεψε να δημιουργήσει μια ενιαία προοπτική, με τον Ιησού ως σημείο φυγής.

Όπως με πολλούς από τους πίνακές του, ο ντα Βίντσι πάλεψε με τον Μυστικό Δείπνο, καθώς φέρεται να είχε προβλήματα στην προσπάθειά του να απεικονίσει το κακόβουλο πρόσωπο του Ιούδα. Ήθελε να επικεντρωθεί στη στιγμή που ο Ιησούς αποκαλύπτει ότι ένας από τους μαθητές του θα τον προδώσει, και στις σοκαρισμένες αντιδράσεις που ακολούθησαν μετά από αυτή τη δήλωση. Ο ντα Βίντσι πέρασε χρόνια δουλεύοντας πάνω στο έργο για να το τελειοποιήσει.

Ηλιοτρόπια

Ηλιοτρόπια από τον Βίνσεντ βαν Γκογκ. PD.

Τα ηλιοτρόπια είναι άλλο ένα έργο ιδιοφυΐας του Ολλανδού ζωγράφου Βίνσεντ βαν Γκογκ, ο οποίος δούλεψε πάνω σε μια σειρά από πίνακες με ηλιοτρόπια το 1887. Ο πιο αξιοσημείωτος πίνακας του απεικονίζει μια διάταξη ενός μπουκέτου ηλιοτρόπιων, καθώς κάθονται νωχελικά σε ένα βάζο.

Όπως και με τους περισσότερους από τους άλλους πίνακές του, η ιστορία πίσω από τα ηλιοτρόπια είναι μάλλον σκοτεινή. Ο βαν Γκογκ τα ζωγράφισε για να εντυπωσιάσει τον συνάδελφό του ζωγράφο Γκοζέν, ο οποίος τον επισκεπτόταν. Ο βαν Γκογκ έφτασε στο σημείο να κάνει μια ολόκληρη σειρά πινάκων με ηλιοτρόπια, απεικονίζοντάς τα σε όλα τα στάδια της ζωής τους, από τα πρώιμα άνθη μέχρι τα μαραμένα και σάπια. Αυτή είναι ίσως η πιο γνωστή σειρά πινάκων του βαν Γκογκ και θεωρήθηκανπρωτοποριακές λόγω της χρήσης του φάσματος των κίτρινων αποχρώσεων, που κατέστη δυνατή χάρη στις χρωστικές ουσίες που είχαν εφευρεθεί πρόσφατα.

Η σειρά Ηλιοτρόπια δεν διόρθωσε την τεταμένη σχέση μεταξύ του Γκογκέν και του Βαν Γκογκ, και η πικρή τους διαμάχη οδήγησε τον Βαν Γκογκ στην κατάρρευση και στην τραγική πράξη αυτοακρωτηριασμού, κόβοντας το αυτί του.

Αμερικανικό γοτθικό

American Gothic του Grant Wood. PD.

Το American Gothic είναι ένας πίνακας του Αμερικανού ζωγράφου Grant Wood το 1930, ο οποίος απεικονίζει ένα αμερικανικό γοτθικό σπίτι και τους ανθρώπους που ο Grant φανταζόταν ότι θα ζούσαν σε τέτοια σπίτια.

Ο Wood απεικονίζει στον πίνακά του δύο μορφές - έναν αγρότη, που κρατάει ένα αιχμηρό δίκρανο, και την κόρη του (που συχνά θεωρείται λανθασμένα ως η σύζυγός του). Οι μορφές είναι πολύ εντυπωσιακές και σοβαρές στην εμφάνιση και ντυμένες σύμφωνα με την εποχή, με την κόρη να φοράει ρούχα αγροτικής αμερικανικής αρχιτεκτονικής του 20ού αιώνα.

Κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης, οι φιγούρες έφτασαν να αντιπροσωπεύουν το επίμονο, ισχυρό αμερικανικό πνεύμα των πρωτοπόρων. Έχουν επίσης υπάρξει πολλές άλλες ερμηνείες του πίνακα, με ορισμένους μελετητές να υποστηρίζουν ότι απεικονίζει τις ρωμαϊκές θεότητες Πλούτωνα και Προσπερπίνα (το ελληνικό αντίστοιχο του Άδη και της Περσεφόνης), ενώ άλλοι εικάζουν ότι απεικονίζει τους ίδιους τους γονείς του Wood.

Σύνθεση 8

Η σύνθεση 8 του Wassily Kandinsky είναι ένας πίνακας ζωγραφικής με λάδι σε καμβά που χρονολογείται το 1923. Απεικονίζει μια διάταξη κύκλων, γραμμών, τριγώνων και διαφόρων γεωμετρικών μορφών σε ένα φόντο από κρεμ χρώμα που λιώνει σε περιοχές γαλάζιου χρώματος. Θεωρείται ωδή σε μια παγκόσμια αισθητική γλώσσα που ενέπνευσε τον Kandinsky να αναπτύξει το δικό του στυλ.

Η σύνθεση 8 μιλάει με απλά σχήματα και μορφές και εξυψώνει το αφηρημένο πρωτοποριακό στυλ του Kandinsky. Ο ίδιος ο ζωγράφος τη θεωρούσε ένα από τα υψηλότερα επιτεύγματά του,

Η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα

Οροφή της Καπέλα Σιξτίνα από τον Μιχαήλ Άγγελο

Η οροφή της Καπέλα Σιξτίνα, ζωγραφισμένη από τον Μιχαήλ Άγγελο, είναι ένα από τα μεγαλύτερα αριστουργήματα και το αποκορύφωμα της τέχνης της Υψηλής Αναγέννησης. Το έργο παραγγέλθηκε από τον Πάπα Ιούλιο Β' και φιλοτεχνήθηκε μεταξύ 1508 και 1512.

Η οροφή είναι διακοσμημένη με πολλαπλές σκηνές από το βιβλίο της Γένεσης μαζί με απεικονίσεις διαφόρων παπών. Είναι γνωστή για την επίδειξη της ικανότητας του Μιχαήλ Άγγελου να αναπαριστά ανθρώπινες μορφές σε διάφορες στάσεις και για την επιλογή του να χρησιμοποιεί γυμνές μορφές. Αυτό απηχούσε τις μεταγενέστερες εξελίξεις, όπου το γυμνό στη ζωγραφική χρησιμοποιήθηκε ως εργαλείο μεταφοράς συναισθημάτων.

Η Καπέλα Σιξτίνα είναι ένα από τα πιο δημοφιλή τουριστικά αξιοθέατα στο Βατικανό και προσελκύει πλήθος τουριστών κάθε χρόνο. Ωστόσο, απαγορεύεται να φωτογραφίζετε την οροφή, καθώς τα φλας των φωτογραφικών μηχανών μπορεί να βλάψουν τα έργα τέχνης.

Η επιμονή της μνήμης

Η επιμονή της μνήμης του Σαλβαδόρ Νταλί. PD.

Η επιμονή της μνήμης είναι ένας πίνακας του Σαλβαδόρ Νταλί του 1931 που έχει γίνει ένα από τα πιο γνωστά έργα του σουρεαλισμού. Ο πίνακας αναφέρεται μερικές φορές ως "Τα ρολόγια που λιώνουν" ή "Τα ρολόγια που λιώνουν".

Το έργο περιλαμβάνει μια σουρεαλιστική σκηνή, με διάφορα ρολόγια που απεικονίζονται σε διάφορα στάδια τήξης. Ο Νταλί σχολιάζει τη σχετικότητα του χώρου και του χρόνου, απεικονίζοντας τα λιωμένα, μαλακά ρολόγια στον πίνακα. Στο κέντρο της εικόνας βρίσκεται ένα παράξενο πλάσμα που μοιάζει με τέρας, το οποίο χρησιμοποιείται συχνά από τον Νταλί ως μια μορφή αυτοπροσωπογραφίας. Αν κοιτάξετε προσεκτικά, μπορείτε να δείτε τις βλεφαρίδες, τη μύτη, το μάτι και ίσως τη γλώσσα τουΤο πορτοκαλί ρολόι στην αριστερή γωνία είναι καλυμμένο με μυρμήγκια, ένα σύμβολο που χρησιμοποιείται συχνά από τον Νταλί για να αναπαραστήσει τη φθορά.

Ανακεφαλαιώνοντας

Ο παραπάνω κατάλογος με τους πίνακες ζωγραφικής είναι καλλιτεχνικά αριστουργήματα απαράμιλλης ιδιοφυΐας και δημιουργικότητας. Ενώ κάποιοι από αυτούς λοιδορήθηκαν και επικρίθηκαν από άλλους, όλοι τους αμφισβήτησαν τα δόγματα της εποχής τους. Ήταν καινοτόμοι, εμφανίζοντας το ανθρώπινο συναίσθημα και τα σύνθετα συναισθήματα και σκέψεις. Το πιο σημαντικό είναι ότι παραμένουν επίκαιροι μέχρι σήμερα. Ποιος είναι ο αγαπημένος σας;